This photo is © Michael Schulze

Gestaltungslehre

Doku

 

Zurück zu „Lehre“

 

26Über das Maß

  

27Zeichng. über das Maß 1

  

28Zeichng. über das Maß
  

Über das Maß hinaus



Die Dinge sind nicht nur das was sie sind. Wir können ihnen durch den künstlerischen Prozess eine neue Aura, eine neue Bedeutung geben.
Ausgehend von trivialen und banalen kleinen Gegenständen, die sich jeder Studierende nach eigener Sympathie aussuchte, sollte eine maßstabsgetreue Vergrößerung dieses Gegenstands Umsetzung finden: eine Blow Up-Situation, wie sie in der Popart z.B. von Claes Oldenburg praktiziert wurde.
Die Analyse und Proportionsuntersuchung über die Zeichnung im gewünschten Maßstab (ca.1:10), stellte die erste Annäherung zur Lösung dieser Aufgabe dar. Hier zeigte sich Wahrnehmung und Darstellung als Korrelat in einem ersten Verständigungsverhältnis.
Zeichnen war hier eine Bewusstmachung des Objektes mit seinen charakteristischen Formen, Strukturen und Oberflächen.
Der nächste Schritt war der Einstieg ins Modellieren mit Ton. Masse und Volumen wurden eingeschätzt und angetragen. Aus dieser Masse heraus näherte sich der Studierende der Grundform seines „Modells“. Geben und Nehmen des Tons bestimmten in dieser Phase das Geschehen.
Als bildhaften Vergleich für dieser Prozesse in Ton nenne ich hier den Blick durch das Fotoobjektiv im Zustand der Unschärfe, hin zur optischen Schärfe des Gegenstandes: aus der „unscharfen" Masse Ton entsteht nach und nach eine klare Form. Die „Scharfstellung“ beinhaltet auch letztendlich die Behandlung der Oberfläche als Relief.
Im endgültigen Zustand dieser Plastik boten wir zwei Möglichkeiten der Formduplizierung an: die Formübernahme durch die „Verlorene Form“ in Gips, aus der lediglich nur ein Unikat resultiert; oder das Verfahren mit einer Silikonform, bei der, neben dem zweimaligen Auftragen eines liquiden und thixotropen Silikons, eine oder mehrere Teile einer Stützform aus Gips erstellt werden mussten.
Wie ein „Geburtsakt“ stellte sich dann das Abziehen des Silikonüberzugs von der positiven Tonform dar, bei dem der Studierende die Einblicke in das „Negativ“ der neuen Form, mit staunendem und interessiertem Verhalten registrierte. War ihm bisher die Positivform in seiner Wahrnehmung verhaftet, so offerierte ihm der räumliche Eindruck der Negativform eine neue Raumwahrnehmung.
Nach Fertigstellung dieser Negativform wurden Silikon- und Stützform wieder zusammengebaut und mit Gurten fixiert. Nun stand die Negativform zum Abguss mit Beton bereit.



Titel:… Über das Maß hinaus
Betreuer: Michael Schulze
Fähigkeit: Wahrnehmung, räumliches Denken, Formfindung

Fertigkeit: Zeichnen, Proportionierung, Materialkenntnisse, handwerkliche und

künstlerische Techniken.
Material: Ton, Silikon, Beton
Maße: ca. 40 - 70 cm
Kategorie: Plastik
Aufgabentyp: Wahlfach
Zeitfenster: 14 x 3 SWS

Beyond the measurements




Things are not only what they are. With the help of the artistic process, we are able to assign a new aura, a new meaning to them.
Starting with trivial and banal little items, which were selected by the students, an true to scale enlargement of this item should be created: a „Blow Up-situation“ which has been praticed in Popart, for example by Claes Oldenburg.
The analysis and the study of the proportions of the drawing in the favored scale (ca. 1:10) served as a first try to solve the given task. Here, the perception and portrayal were correlative as a first relation of understanding.
Drawing was the realization of an object with its characteristic forms, structures and surfaces.
The next step was getting in contact with clay-modeling. Mass and volume were estimated and ablated.From this mass, the student approached the base form of his „model“. Giving and receiving of the clay controlled proceedings in this phase.
To illustrate this metaphorically, one could compare this process with the view through a camera lens. First, everything seems blurry, but eventually, a sharp view can be established: the „blurry“ mass of clay is improved, gradually forming a clearer form. The „focus“ finally includes the treatment of the surface as a relief.
In the final state of this plastic, two options of form duplication were provided: the takeover by using the „lost mold“ in gesso, resulting in only one unique item; or the procedure with a mold of silicone. At this process, one or more pieces of a sustaining mold had to be created, beside the two-time application of a liquid and a thixotropic silicone.
The silicone casing's removal from the positive clay mold resembled an „act of birth“. The students were able to see the „negative“ of the new mold, triggering a marveling and interested behavior. Having only the positive version in his mind, the spatial impression of the negative offered him a new sense of place.
After finishing the negative mold, the silicone and sustaining molds were assembled again and fixated with straps. Thus, the negative mold was ready for a cast with concrete.


Title: Über das Maß hinaus (''Beyond the measurements'')
Supervisor: Michael Schulze
Ability: Reception, spatial awareness, finding forms
Proficiency: Drawing, proportioning, knowledge of material, technical and artistic techniques.
Material: Clay, silicone, concrete
Measures: ca. 40 - 70 cm
Category: Plastic art
Curriculum: Elective course
Timeframe: 14 x 3 SWS
22Lampen1

  

23Lampen2

  

24Lampen-stegreif 2

  

25Lampen-Stegreif

  

Ein Ding ein Licht



In dieser Aufgabe trafen sich Merkmale des Produktdesigns, in seiner Anwendungsbezogenheit und Methoden der Formfindung zusammen. Hier sollte ein Objekt gestaltet werden, dass einerseits einer Lichtdramaturgie folgt und andererseits durch Form und Material einen Ausdruck finden sollte: Plastik als Lichtobjekt.
Zur Umsetzung standen diverse Materialien zur Verfügung: Beton, Gips, Glas, Metall, Holz, Papier, Kunststoffe (gefärbt, laminiert oder gegossen) etc.
Den Anfang bestimmte ein Brainstorming, bei dem das Thema Licht auf sprachliche, triviale, mythologische oder sonstige Wesensmerkmale hin betrachtet und untersucht wurde. Über Zeichnungen und Modelle in Pappe, Holz oder Ton näherte sich der Studierende seiner Idee an. Technische und elektronische Installationsbedingungen wurden hier vorläufig ausgespart. Erst wenn eine Form- und Materialentscheidung getroffen war, sollten diese technischen Aspekte in die Planung mit einbezogen werden.

Die Chance und Eigenart dieser Aufgabe zeichnete sich dadurch aus, dass jeder Studierende individuell seiner Formentwicklung folgen konnte. Durch diese Heterogenität in der Gruppe war es möglich, unterschiedlichste Formtypen exemplarisch zu behandeln und Wesensmerkmale von z.B. organischen, technoiden oder amorphen Formen aufzuzeigen. Die ästhetische Unterscheidung von Natur-, Technik- und Kunstschönem fand hier ein geeignetes Erklärungsmodell.

Jeder Entwurf bedurfte eines eigenen Herstellungsverfahrens. Oftmals mussten spezielle Werkzeuge und Verfahren neu erfunden werden, um dem Anspruch einer Gestaltungsidee gerecht zu werden. Durch diese Methodenvielfalt lernten wir als Lehrer und Studierende untereinander und voneinander.



Titel: Ein Ding ein Licht
Betreuer: Michael Schulze
Fähigkeit: konzeptionelles Denken, Intuition, Kreativität, Kombinationsgabe,
Originalität, Poesie
Fertigkeit: Zeichnen, Proportionierung, Komposition, Materialkenntnisse,
Formfindung, Farbkenntnisse, handwerkliche und künstlerische
Techniken,


Material: Beton, Glas, Kunststoff, Metall
Maße: ca. 30 - 60 cm
Kategorie: Design, Plastik, Objekt
Curriculum: Wahlfach
Zeitfenster: 14 x 3 SWS

One thing, one light



In this task, features of product design met in their application and methods of finding forms. An object should be created that, one the one hand, follows the dramaturgy of light, on the other hand it was supposed to find its expression through form and material: statuary art as an object of light.
For the realization of this task, several materials were available: concrete, gypsum, glass, metal, wood, paper, plastics (colored, laminated or cast) etc.
In the beginning, there was a brainstorming whose topic was ''light'', observed and analyzed for their linguistic, trivial, mythological or other features. With the help of sketches or models of cardboard, wood or clay, the student was able to approach his idea. Technical and electronic conditions of the installation were excluded at this point. Only if a decision regarding the material and form was made, these technical aspects of the object should be considered in the design.

The task's chance and pecularity can be characterized by the fact that every student was able to follow his own individual development of the form. Because of this heterogeneity in the group, it was possible that the most different types of forms could be dealt with exemplarily and that the essential features of organic, technoid or amorphous forms could be revealed. The aesthetic differentiation of the beauty of nature, technology and art found an appropiate model of explanation.

Every sketch needed an individual manufacturing method. Special tools or methods had often to be reinvented to live up to the demand of the design's idea. Because of this variety of methods, we as teachers and students were able to learn a lot from each other.




Title: Ein Ding ein Licht (''One thing, one light'')
Supervisor: Michael Schulze
Ability: Conceptual thinking, intuition, creativity, power of deduction, originality, poetry
Proficiency: Drawing, proportioning, composition, knowledge of material,
finding forms, knowledge of color, knowledge of technical and artistic techniques.
Material: Concrete, glass, plastics, metal
Measures: ca. 30 - 60 cm
Category: Design, plastic art, object
Curriculum: Elective course
Time frame: 14 x 3 SWS
9Koll. Kubisch

  

10Koll.-Organisch
  

Kollektivplastik kubisch/organisch



Meist besteht in der Anwendung und Bewertung organischer Formen für die Architektur Voreingenommenheit, deren Ursachen vermutlich in der jahrhundertelang bewährten Anwendung der euklidischen Geometrie liegen.
Dabei müssten uns die organische Morphologie viel „näher" sein, da sich auch der menschliche Körper aus den Urformen der Natur generierte.
Im Verhalten gegenüber kubischen Formen ist daher ein eher vertrauter Umgang zu beobachten, bedingt durch unsere kulturelle Geschichte und Sozialisation in der Anwendung kubischer Formen und Körper.

Über den individuellen Formfindungsprozess hinaus lag das Ziel dieser Gruppenaufgabe in einer kollektiven Verantwortung des gesamten Gestaltungskonzepts: sei es organisch oder kubistisch ausgerichtet.
Es entstanden am Anfang kleine Tonmodelle, die das schnelle Reagieren und Verändern durch den Einzelnen oder der Gruppe ermöglichten.
Die Teilnehmer reagierten aufeinander in einem vereinbarten Regelsystem: Der Erste machte einen plastischen Vorschlag, der Zweite reagierte darauf, der Dritte auf den Zweiten usw. Die Intention und das Verhalten waren also derart, dass sich jede individuell entstandene Einzelform aus der Form oder Geste des „Vorder- bzw. Hintermanns" generierte, quasi eine „stille Post" mit Formen.
Unter diesen spielerischen Bedingungen, war die Gesamtqualität dennoch von der jeweiligen Einzelleistung abhängig, denn jeder Beitrag stand für eine persönliche ästhetische Entscheidung, die sich im Gesamten offenbarte.
Hatte sich die Gruppe durch das kleine Tonmodell festgelegt, ging es zur Umsetzung in einen größeren Maßstab: Die Unterkonstruktion wurde aus Pappe oder Kaninchendraht gebildet, darüber Gipsbinden oder Jute in Gips getränkt, weiterhin das Auf- und Abtragen des Gipses sowie in trockenem Zustand das Raspeln und Schleifen.
Letztendlich entwickelte jeder mehrere Varianten eines Farbkonzepts, das in der Gruppe analysiert, ausgewählt und erst dann auf die Plastik übertragen wurde.


Bildbegleit-Ikon:

Titel: Kollektivplastik kubisch/organisch


Betreuer: Michael Schulze
Fähigkeit: konzeptuelles und räumliches Denken, Intuition, Kreativität,
Kombinationsgabe, Originalität, Teamfähigkeit,
Fertigkeit: Formfindung, Komposition, Materialkenntnisse, künstlerische und
handwerkliche Techniken, Farbenkenntnis
Material: Pappe, Draht, Heißkleber, Gipsbinden, Gips
Maße: ca. 3 - 4 m L
Kategorie: Plastik
Curriculum: Grundlehre
Zeitfenster: 6 x 3 SWS

Collective cubical/organic



Most of the time the application and evaluation of organic forms is loaded with prejudices in the architecture, maybe because the Euclidean geometry is the established application for several centuries.
And yet the organic morpholy should be ''closer'' to us since the human body also generated itself from the archetypes of nature.
That is why one can observe a rather familiar contact with cubical forms, induced by our cultural history and socialization in the apllication of cubical forms and bodies.

Beyond the individual process of finding forms, the aim of this group task was a collective responsibility of the whole concept of design: no matter if it was oriented organically or cubically.
At the beginning, little models of clay were created which enabled fast reactions and modification for the individual as well as for the group.
The participants reacted to each other on the basis of a agreed system of rules: The first one proposed a plastic idea, the second one reacted to this idea, the third one reacted to the second participant and so forth. Thus, the intention and the behavior were of the kind that every individually designed single form generated from the form or the actions from the person in front or behind, quasi a ''whisper down the lane'' with forms.
Under these playful conditions, the overall quality still depended on the individual performance since every contribution represented a personal aesthetical decision that is revealed in the final object.
If the group agreed on a small model of clay, the next step was to realize it in a bigger scale: The surface structure was built with the help of cardboard or rabbit wire, covered by plaster bandages or jute soaked in gypsum, furthermore the spreading and ablation of the gypsum as well as the rasping and sanding in the dried state.
Finally, everyone developed several varieties of the concept of colors that was analyzed and selected by the group and then transferred to the statuary art.


Title: Kollektivplastik kubisch/organisch (''Collective cubical/organic plastic art'')
Supervisor: Michael Schulze
Ability: Conceptual and spatial thinking, intuition, creativity, power of deduction, originality, capacity of team work
Proficiency: Finding forms, compositions, knowledge of material, technical and artistic techniques, knowledge of colors
Material: Cardboard, wire, hot glue, plaster bandages, gypsum
Measures: ca. 3 - 4 m L
Category: Plastic arts
Curriculum: Basic studies
Time frame: 6 x 3 SWS
3Durchdringungen farbig
  

Durchdringung farbig



Im Gegensatz zur konstruierten oder projizierten Durchdringung der darstellenden Geometrie, sollte hier eine „allansichtige“ Plastik entstehen, deren Voraussetzungen auf gestalterischen Kriterien, wie Spannung, Dynamik, Gegensatz oder Harmonie, basierten.
Ausgangslage waren mehrere, vom Studierenden selbst festgelegte unterschiedliche Körper, die sich derart durchdrangen, dass unter oben genannten Prämissen eine Durchdringung entstand, die in ihrer Gesamtheit dennoch jedem Körper seine Eigenart erhielt und ihm plastisch das gab, was er benötigte. Besonders unter diesen Gesichtspunkten bildete sich ein räumliches Denken, da die Diskrepanz von Vorstellung und Ausdruck des Gestaltungsobjekts beim Bauen in ständiger Wechselbeziehung stand und auf die Schwächen und das Erkennen von Qualitäten unmittelbar reagiert werden konnte.

Als Grundlage diente ein kleines Arbeitsmodell in Pappe oder Ton, dass eine erste Idee verdeutlichte. Daraus entstand eine Übertragung in den gewünschten Maßstab auf das Material Wellpappe, die mit Heißkleber verbunden wurde. Nachdem eine Schicht Gipsbinden über das Pappmodell gelegt war, folgte ein dünner Überzug mit Gips, der entsprechend wiederholt und letztlich in trockenem Zustand geschliffen wurde.
Weiterhin sollte ein Farbkonzept entstehen, das diese Eigenschaften unterstützt und auf die Plastik übertragen wurde. Farbe in der Perzeption ist relativ: Jeder sieht und empfindet eine Farbe autonom. Bunt meint nicht Farbigkeit, denn Farbigkeit meint hier die Anwendung eines Klangs oder eines konzeptuellen Willens durch Farbe.








Titel: Durchdringung farbig
Betreuer: Michael Schulze
Fähigkeit: Kombinationsgabe, räumliches Denken
Fertigkeit: Formfindung, Komposition, Materialkenntnis, Farbkenntnis,
handwerkliche und künstlerische Techniken
Material: Karton, Gipsbinden, Gips
Maße: ca. 40 - 50 cm

Kategorie: Plastik
Curriculum: Grundlehre
Zeitfenster: 6 x 3 SWS

Colorful pervasion



Contrary to the construed or projected pervasion of the illustrated geometry, a piece of statuary art constructed from all sides should be created whose requirements based on creative criteria like tension, dynamics, contrast or harmony.

The starting point was several, individually determined bodies created by the student that penetrated each other in a way that, under the mentioned circumstances, a penetration was created that still held up the pecularity of each body. Furthermore, this penetration gave the bodies everything what they required plastically. Especially under these perspectives, spatial thinking was activated since the discrepancy of imagination and expression of the design object correlated during the process of creation. This enabled the student to react immediately to flaws and recognizing qualities.

The basis of the design object was formed by a small working model of cardboard or clay that illustrated a first idea. Thereof, a transition into the desired scale on the material corrugated board which was connected by hot glue was made. After a layer of plaster bandages was applied to the cardboard model, a thin coating of gypsum which was repeated accordingly and finally sanded in dry state followed.

Furthermore, a concept of colors should be created that supports these features. This concept should be transferred to the statuary art. Color in perception is relative: everyone sees and senses a color in an autonomous way. Being colorful does not mean colorfulness, because colorfulness here means the application of a sound or a conceptual will through color.



Title: Durchdringung farbig (''Colorful pervasion'')
Supervisor: Michael Schulze
Ability : Power of deduction, spatial thinking
Proficiency: Finding forms, composition, knowledge of material and colors, technical and artistic techniques
Material: Cardboard, plaster bandages, gypsum
Measures: ca. 40 - 50 cm
Category: Plastic art
Curriculum: Basic studies
Time frame: 6 x 3 SWS
16Wasserbecken für einen ...

  

17Wasserbecken für einen....1

  

Wasserbecken



Bei dieser Aufgabe ging es um das Formverständnis und die Formübernahme bestehender Stilmerkmale bekannter Künstler, Designer oder Architekten. Kein Kopieren im herkömmlichen Sinn der akademischen Lehre wie im Manierismus, sondern vielmehr eine individuelle Interpretation durch Aneignung: Eine Form- und Stilanpassung vergleichbar einer mimetischen Anpassung eines Chamäleons.
Der Studierende wählte die Stilistik einer Persönlichkeit nach Belieben aus den Abbildungen der vorgestellten Werke und Oeuvres aus. Jeder Teilnehmer hatte zwei Stunden Zeit in der Bibliothek oder via Internet, ein Kurzreferat seines Favoriten vorzubereiten. Dabei sollten neben biografischen Fakten besonders stilprägende Aspekte hervorgehoben und dargestellt werden.
Nach dem die Referate gehalten waren, begannen die Studierenden über kleine Tonmodelle sich dem Behältnis Waschbecken zu nähern, indem sie sich suchend der Stilistik und Formensprache ihres Favoriten annäherten. In dieser Annäherung wurden die formalen Herausstellungsmerkmale bewusst.
So entstand ein kleiner Prototyp als Tonmodell, der in der Konsequenz aus der Qualitätsselektion vormals entstandener und modifizierter Modelle resultierte.
Dieser Prozess war von besonderer Bedeutung, da er die Kriterien für das individuelle Verwerfen bzw. Auswählen bildete. Diese Kriterien sollen auch verbal benannt werden.

Ausgehend vom so entstandenen Prototyp wurden nun plastische Umsetzungstechniken erörtert und vorgeschlagen, um die angestrebte Plastik in einem angenommenen Maßstab von 1:2 in Gips umzusetzen. Dabei standen Pappe, Styrodur, Draht und Kaninchendraht als innere Tragwerke zur Verfügung. Diese wurden mit Gips- oder Jutebinden überzogen und im additiven Verfahren von Geben und Nehmen mit Gips bearbeitet. Durch Raspeln und Schleifen gaben wir der Oberfläche abschließend entsprechende haptische Qualität.



Titel: Wasserbecken

Betreuer: Michael Schulze
Fähigkeit: Kreativität, Kombinationsgabe, Wahrnehmung, Abstraktionsfähigkeit, Intuition, Originalität

Fertigkeit: Formfindung, Proportionierung, Komposition, Materialkenntnisse,
handwerkliche und künstlerische Techniken
Material: Draht, Pappe, Gipsbinden, Gips
Maße: ca. 40 - 70 cm
Kategorie: Plastik
Curriculum: Grundlehre
Zeitfenster: 6 x 3 SWS

Water basin



The main aim of this task was the comprehension and borrowing of forms, orientated towards existing stylistic features of popular artists, designers or architects. It shouldn't be copying in the proper sense of the academical teaching like in Mannerism but rather an individual interpretation through acquisition: An adaption of form and style comparable to the mimetic adaption of a chameleon.
The student freely decided on a personality's stylistics out of the images of the presented works and oeuvres. Every participant had two hours in the library or on the internet to prepare a short talk on his favorite. This talk should not only focus on biographical information but rather on style-defining aspects of the favorite's works.
After the talks have been held, the students began to approach the container water basin with the help of small models of clay by searching the stylistics and use of forms and trying to approximate to these aspects of their favorite. During this approximation, the students realized the formal features of singularization.
That is how a small prototype was created that resulted from the quality selection of former and modified models. This process was von particular interest, because it provided the criteria for the individual rejection and selection. These criteria were also supposed to be expressed verbally.

Based on the prototype, sculptural techniques of realization were argued and suggested to be able to create the desired piece of statuary art in a scale of 1:2 in gypsum. Here, the students were able to use cardboard, styrodure and wire as internal frames. These were covered with plaster and jute bandages and processed with gypsum, underlying the additive process of give and take. Through rasping and sanding, we finally gave the surface an accordingly haptic quality.


Titel: Wasserbecken (''Water basin'')
Supervisor: Michael Schulze
Ability: Creativity, power of deduction, perception, ability of abstraction, intuition, orginiality
Proficiency: Finding forms, proportioning, composition, knowledge of material, technical and artistic techniques
Material: Wire, cardboard, plaster bandages, gypsum
Measures: ca. 40 - 70 cm
Category: Plastic art
Curriculum: Basic studies
Time frame: 6 x 3 SWS
11Koll. Turm

  

Kollektiver Turm



Die komplexe Initiative der Bauhütten resultierte unter anderem aus dem utopischen Vorhaben, gemeinsam eine Idee, zu materialisieren. Diesem Leitmotiv der kollektiven Realisierung einer Idee, sollte in diesem Kurs gefolgt werden.
Alle Teilnehmer, in der Regel sieben bis zwölf Studierende, einigten sich auf ein stilistisches Formenrepertoire: kubistisch oder organisch.
Die Höhe des Turms ergab sich aus der Anzahl der Teilnehmer, da jeder ein Formelement in einer Höhe von ca. 40 cm ausgestalten sollte. Damit die einzelnen Teile später zusammenpassten, wurden die Umrisse der Anfangsbuchstaben der Namen als Rapport genommen.
Diese Buchstaben wurden innerhalb eines vorgegebenen Quadrats entsprechend modifiziert, um extreme Einschnitte oder Aussparungen zu vermeiden. Um später eine relative Standfestigkeit des Turmes zu gewährleisten, verjüngten sich die Quadrate und entsprechend die Formelemente nach oben.
Der Studierende des ersten unteren Formelements benutzte also als Bodenfläche seinen Anfangsbuchstaben und für die obere Fläche den Buchstaben seines Kommilitonen usw.
Nachdem die Buchstaben schablonenartig aus Pappe ausgeschnitten waren, begann der Studierende die Außenflächen zwischen unterem und oberem Buchstaben mit Blick auf das Leitmotiv (kubistisch oder organisch) auszugestalten. Die Begrenzung seiner Gestaltung orientierte sich an den Umrissen des Buchstabens.
Innerhalb dieses Spielraums sollte er ein ästhetisches System entwickeln. Dies geschah spielerisch aus dem Zufall der Kombinationsmöglichkeiten, die sich aus der Formation der gerissenen oder geschnittenen Pappstücke ergab. Suchen, verwerfen, entdecken sind gestalterische Eigenschaften, die hier praktiziert wurden. Im Wechselspiel dieser Tätigkeiten kristallisierte sich langsam eine formale Syntax heraus, die zur Systementscheidung drang.
War ein Turmelement unter diesen Prämissen aus Pappe entstanden, wurde es mit feuchten Gipsbinden überzogen. Nachträglich begann das Auf- und Abtragen dünner Gipsschichten und durch Raspel und Schleifen erfuhren die Formen sowie die Oberflächen einen endgültigen Zustand.

Titel: Kollektiver Turm

Betreuer: Michael Schulze

Fähigkeit: Kreativität, Kombinationsgabe, Teamfähigkeit,
räumliches und konzeptuelles Denken, Intuition, Originalität

Fertigkeit: Formfindung, Proportionierung, Komposition, Materialkenntnisse,
künstlerische und handwerkliche Techniken
Material: Pappe, Gipsbinden, Gips
Maße: ca. 3 - 4,50 m H
Kategorie: Plastik
Curriculum: Grundlehre
Zeitfenster: 6 x 3 SWS

Collective tower



The complex initiative of the sheds resulted, among others, from the utopical intention of materializing an idea together. This leitmotif of the collective realization of an idea should guide this course.
All participants (usually seven to twelve students) agreed on a stylistic repertoire of forms: cubical or organical.
The height of the tower resulted from the amount of the participants since every single student was supposed to design one element with a height of ca. 40 cm. To make sure that the pieces will fit to each other in the end, the shapes of the initial letters of the names were taken as a rapport.
These letters were modified within a preset square to avoid extreme incisions or notches. In order to ensure a relative stability of the tower, the squares and accordingly the formal elements tapered towards the top.
Thus, the student of the lowest formal element used his initial letter as a floorspace and for the upper surface, his fellow student's initial letter.
After the letters have been cut out as templates, the student began to design the exterior surface between the lower and upper letter with an eye to the leitmotif (cubical or organical). The limitation of his design oriented towards the shape of the letters.
Within this range, the student should develop an aesthetical system. This happened in a playful way by the randomness of the combination possibilities that resulted from the formation of the ripped or cut cardboard pieces. Searching, rejecting, discovering are creative features that have been practiced here. During the interaction of these activities, a formal syntax crystallized slowly that pushed towards a system decision.
After a tower element made of cardboard has been created under these premises, it has been covered with wet plaster bandages. Afterwards, the application and ablation of thin layers of gypsum began. By rasping and sanding, the forms and surfaces found their final state.

Title: Kollektiver Turm (''Collective tower'')
Supervisor: Michael Schulze
Ability: Creativity, power of deduction, capacity for teamwork, spatial and conceptual thinking, intuition, originality
Proficiency: finding forms, proportioning, composition, knowledge of material, technical and artistic techniques
Material: Cardboard, plaster bandages, gypsum
Measures: ca. 3 - 4,50 m H
Category: Plastic art
Curriculum: Basic studies
Time frame: 6 x 3 SWS
12Koll.-Formkreis

  

13Koll.Formkreis1

  

Kollektiver Formkreis




Die gemeinsame Realisierung eines Werks innerhalb einer Gruppe schließt die Entfaltung des Einzelnen mit seinen Fähigkeiten im Gesamtkonzept nicht aus. Gemeinschaft schafft Identifikation, wenn es um die Verwirklichung einer Idee geht.
Lässt diese Idee in der Gruppe auch noch Raum für eigene Interpretations- und Gestaltungsmöglichkeiten, dann entsteht ein Kreis, ein Klang, ein Chor.
Das Motiv der kollektiven Plastik basiert quasi auf einem demokratischen Prinzip der Gestaltung. Alle Teilnehmer des Kurses, in der Regel sieben bis zwölf Studierende, einigten sich auf ein stilistisches Formenrepertoire: kubistisch oder organisch.
Der Durchmesser des Kreises ergab sich aus der Anzahl der Teilnehmer, da jeder ein Formelement in einer entsprechenden Höhe ausgestalten sollte. Damit die einzelnen Teile später zusammenpassten, wurden als Rapport an den Seitenflächen jedes Segments die Anfangsbuchstaben der Namen verwendet.
Diese Buchstaben wurden innerhalb eines vorgegebenen Quadrats entsprechend modifiziert, um extreme Einschnitte oder Aussparungen zu vermeiden. Der Studierende des ersten Formelements benutzte also seinen Anfangsbuchstaben z.B. für die linke Seitenfläche und den Buchstaben seines Kommilitonen an der rechten Seite usw.
Nachdem die Buchstaben schablonenartig aus Pappe ausgeschnitten waren, begann der Studierende die Außenflächen zwischen linken und rechten Buchstaben, mit Blick auf das Leitmotiv (kubistisch oder organisch), nach eigenen Gestaltungskriterien auszugestalten. Die Begrenzung orientierte sich an den Umrissen der Buchstaben.
Innerhalb dieses Spielraums sollte jeder ein ästhetisches System entwickeln. Dies geschah spielerisch aus dem Zufall der Kombinationsmöglichkeiten, die sich aus der Formation der gerissenen oder geschnittenen Pappstücke ergaben. Suchen, verwerfen, entdecken sind gestalterische Eigenschaften, die hier praktiziert wurden. Im Wechselspiel dieser Tätigkeiten kristallisierte sich langsam eine formale Syntax heraus, die zur Systementscheidung drang.
War ein Kreiselement unter diesen Prämissen aus Pappe entstanden, wurde es mit feuchten Gipsbinden überzogen. Nachträglich begann das Auf- und Abtragen dünner Gipsschichten, und durch Raspel und Schleifen erfuhren die Formen sowie die Oberflächen einen endgültigen Zustand.

Titel: Kollektiver Formkreis
Betreuer: Michael Schulze
Fähigkeit: Kreativität, Kombinationsgabe, Teamfähigkeit,
räumliches und konzeptuelles Denken, Intuition,
Originalität

Fertigkeit: Formfindung, Proportionierung, Komposition, Materialkenntnisse,
künstlerische und handwerkliche Techniken
Material: Pappe, Gipsbinden, Gips, Dispersionsfarbe
Maße: ca. 150 cm Durchmesser
Kategorie: Plastik
Curriculum: Grundlehre
Zeitfenster: 6 x 3 SWS

Collective form circle



The collective realization of a piece of work within a group does not exclude the unfolding of the single one with his abilities in the overall concept.
Community creates identification when it comes to the realization of an idea.
If this idea in the group allows space for own scopes of interpretation and design, then a circle, a sound, a choir will emerge.
The motive of collective statuary art is based on a democratic principle of design. All the participants of the course (usually seven to twelve students) agreed on a stylistic repertoire of forms: cubical or organical.
The diameter of the circle resulted from the amount of participants since every single student was supposed to design an element with according height. To make sure that the pieces will fit to each other in the end, the initial letters of the names were used at the sides as a rapport.
These letters were modified accordingly in a preset square to avoid extreme incisions or notches. Thus, the student that designed the first form element used his initial letters for the left side and his fellow student's for the right side.
After the letters have been cut out as templates, the student began to design the exterior side between the left and right letter with an eye to the leitmotif (cubical or organical), using his own criteria of design. The limitation oriented towards the shapes of the letters.
Within this range, the students should develop an aesthetical system. This happened in a playful way by the randomness of the combination possibilities that resulted from the formation of the ripped or cut cardboard pieces. Searching, rejecting, discovering are creative features that have been practiced here. During the interaction of these activities, a formal syntax crystallized slowly that pushed towards a system decision.
After a circle element made of cardboard has been created under these premises, it has been covered with wet plaster bandages. Afterwards, the application and ablation of thin layers of gypsum began. By rasping and sanding, the forms and surfaces found their final state.

Title: Kollektiver Formkreis (''Collective form circle'')
Supervisor: Michael Schulze
Ability: Creativity, power of deduction, capacity for teamwork, spatial and conceptual thinking, intuition, originality
Proficiency: Finding forms, proportionning, composition, knowlege of material, artistic and technical techniques
Material: Cardboard, plaster bandages, gypsum, dispersion paint
Measures: ca. 150 cm diameter
Category: Plastic art
Curriculum: Basic studies
Time frame: 6 x 3 SWS
37Übers wasser

  

Übers Wasser



Vergleichbar der Bedrohung und der Faszination durch das Feuer haftet dem Wasser eine ebensolche Ambivalenz an. Bei all den wunderbaren sinnlichen und physischen Erscheinungsformen des Wassers: Es bleibt eine instinktive Bedrohung, die der Mensch mit Respekt und Vorsicht würdigt.
Die Wasserkraft indes hat sich der Mensch schon sehr früh zu nutzen gemacht: Historiker schätzen, dass sie in China bereits vor 5000 Jahren zur Anwendung kam. Die Wasserkraft gehört zu den regenerativen Energiequellen. Wasser ist wertvoll und hat über alle Kulturen bis in die gegenwärtige Zeit eine lebenswichtige, elementare Bedeutung.

Der Weserbach schlängelt sich wie viele Bäche in der Eifel durch den Wald. Für eine Woche im Juni 2000 besuchten wir diesen Bach, um ihn umzuleiten, anzuhalten, zu stauen, zu überlisten und schmücken zu wollen. Der Bach selbst gab Motive frei, denen nur noch gefolgt werden musste: das stille Wasser im Gegensatz zum Sprudeln und schnellen Fließen, der sichtbare Strom und die Wellen, das Rauschen, Glucksen und Klingen, die Spiegelung des Himmels und der Bäume, das Feuchte und die Kühle sowie die ausgewaschenen Steine und die Struktur des Bachbetts und des Ufers.


Um uns von diesen Eigenschaften zum Spielen anregen zu lassen, verfolgten wir zwei Herangehensweisen: Operieren mit Materialien, die der Ort bot, oder künstliche Materialien, die kinetisch- mechanische Möglichkeiten besaßen und im Atelier für den Gebrauch im Bach vorgefertigt werden konnten. Beide Methoden fanden ihren Niederschlag im kühlen Nass des Weserbachs.


Titel: Übers Wasser



Betreuer: Michael Schulze
Fähigkeit: Kreativität, Intuition, Wahrnehmung, konzeptuelles Denken, Kombinationsgabe, Originalität, Poesie, Teamfähigkeit

Fertigkeit: Zeichnen, mechanische Kenntnisse, handwerkliche und künstlerische Techniken, Materialkenntnisse, Formfindung .


Material: Diverse


Kategorie: Objekt, örtliche Intervention
Curriculum: Wahlfach, Exkursion
Zeitfenster: 6 Tage

Across the water



Comparable to the threat and fascination of fire, the water inheres such an ambivalence as well. Apart from all the wunderfully sensual and physical appearances of water: it still is an instinctive threat that the human honors with respect and caution.
The hydropower has been used by humans for a very long time: historians estimate that it has been applied already 5000 years ago in China. The hydropower belongs to the renewable sources of energy. Water is valuable and has a vital and fundamental meaning in all cultures up today.

The ''Weserbach'' winds through the woods like many creeks do in the Eifel. We visited this creek for a week in June 2000 to detour, stop, jam, outsmart and decorate it. The creek itself revealed motives that only needed to be followed: the still water in contrast to the fast flow, the visible stream and the waves, the rushing, gurgling and ringing, the reflection of the sky and the woods, the humidity and the coolness as well as the eroded stones and the structure of the creek bed and the riverbank.

In order to be encouraged to play with these features, we followed two methods: operating with materials that the location offered or operating with artifical materials that had kinetic and mechanical possibilities, having them prepared in the studio for the use at the creek. Both methods manifested themselves in the cold water of the Weserbach.


Title: Übers Wasser (''Across the water'')
Supervirsor: Michael Schulze
Ability: Creativity, intuition, reception, conceptual thinking, power of deduction, orginality, poetry, capacity for teamwork Proficiency: Drawing, mechanical knowledge, technical and artistic techniques, knowledge of material, finding forms
Material: Miscellaneous
Category: Object, spatial intervention
Curriculum: Elective course, excursion
Time frame: 6 days
34Stein auf Stein

  

Stein auf Stein



Der Gesteinsplanet Erde ist in der stellaren Archäologie durch ein hierarchisches Wachstum entstanden. Der noch unförmige Protoplanet Erde wuchs demnach durch häufige Einschläge von Kleinkörpern und absorbierte sie in seinem aufgeschmolzenen Körper. Man nimmt an, dass durch die hohe Dichte des Eisens im Erdkern die Gravitation entstand und mit abnehmender Dichte bildete sich der Erdmantel und die Erdkruste.
Die Erdkruste mit ihrer geologischen Vielfalt bietet seit Jahrtausenden das Material, das der Mensch für seine Baukultur benötigte: der Stein.

Der Stein, als ein Produkt der Erde, sollte auch uns im Laufe dieser Woche im „Eifel-Camp“ beschäftigen. Dafür standen uns Bruchsteine zur Verfügung. Dieser Dolomit- Meskalith -Kalkstein sollte uns mit seinem Widerstand, seiner Härte, seinem Gewicht und seiner Farbe zu gestalterischem und konstruktivem Handeln animieren.
Mit Bruchsteinen zu arbeiten und zu gestalten, erfordert ein fast meditatives Timing und ein hohen Grad an räumlichem Denken. Jeder Stein musste einer allseitigen Betrachtung unterzogen werden, bevor er relativ passgenau in das System integriert wurde und ohne Mörtel oder Zement auskam.
Es bildeten sich drei Gruppen. Nach ersten Versuchen, mit den Steinen einen tragfähigen Verband zu bilden, entstanden zeichnerische Entwürfe, die Architekturelemente wie Bogen, Mauer und Kuppel thematisierten.

Das archaische Bauverfahren mit Bruchsteinen wird auch heute noch für den Trockenmauerbau angewendet. Der Umgang und das Bauen mit diesen Steinen relativiert die Erkenntnis über die Selbstverständlichkeit einer Mauer, wenn man diese mit den eigenen Händen erbaut und durchlebt hat. Ein mühsames und träges Arbeiten bestimmte den Rhythmus. Aber auch der glückliche Moment des Stolzes blieb nicht aus, wenn im Zustand der Unsicherheit der Schlussstein im Bogen gesetzt wurde und dieser letztlich und tatsächlich die statische Einheit gab.





Titel: Stein auf Stein



Betreuer: Michael Schulze
Fähigkeit: Kreativität, Intuition, räumliches Denken, Kombinationsgabe,
Teamarbeit

Fertigkeit: Proportionierung, Materialkenntnisse, Formfindung, handwerkliche und künstlerische Techniken
Material: gebrochener Kalksandstein (Meskalit)


Kategorie: Plastik, Architekturelemente
Curriculum: Wahlfach, Exkursion
Zeitfenster: 6 Tage

Stone by stone



The rocky planet earth was created through a hierarchical growth in the stellar archaelogy. The still shapeless protoplanet earth grew through frequent impacts of small bodies and absorbed them into his fuzed body. One assumes that the gravity developed because of the high density of iron in the earth's core. When the density decreased, the earth's mantle and crust formed.
The earth's crust with its geological variety offers the material that the human needs for his building culture for thousands of year: the stone.

The stone, as a product of the earth, should also be in focus during the week in the ''Eifel-Camp''. For that, rubbles were available. These dolomite meskalith limestones should encourage us to creative and constructive actions with their resistance, hardness, weight and color. Working with rubbles and designing with them requires an almost meditative timing and a high degree of spatial thinking. Every stone has to be regarded from all sides before it can be integrated relatively precisely fitting in the system without needing grout or cement.
The groups were formed. After the first attempts to build a sustainable bracing with the stones, graphic sketches were created that thematized elements of architecture like bows, walls and domes.

The archaic building method with rubbles is still applied today for dry masonry. The contact and the building with these stone relativize the insight of the naturalness of a wall, if one has built it with own hands. A burdensome and idle working determined the rhythm. But at the same time, the happy moment of being pride did not miss, when the cope stone would be inserted into the bow (still being insecure if the bow will keep up) and it finally showed the static unity.


Title: Stein auf Stein (''Stone by stone'')
Supervisor: Michael Schulze
Ability: Creativity, intuition, spatial thinking, power of deduction, teamwork
Proficiency: Proportioning, knowledge of material, finding forms, technical and artistic techniques
Material: fractured lime sandstone (Meskalith)
Category: Plastic art, elements of architecture
Curriculum: Elective course, excursion
Time frame: 6 days
30pneu 1

  

31Pneu

  

32Pneu2

  

33pneu3

  

Über den Pneu



Luft im Raum ist in der Regel immer vorhanden. Das aber Luft als statische Bedingung einer räumlichen Behausung dient, ist z.B. durch Frei Otto unter dem Begriff der „Selbstbildenden Formen“ ausgiebig erforscht worden. Dieser Sonderbereich, bei dem man sich mit Zelten, Pneus und Gitterschalen auseinandersetzt, hat das Tragwerkspektrum der Architektur erweitert.

Unsere Aufmerksamkeit der letzten Jahre bei den „Eifel-Camps“ widmete sich dem Thema und den Möglichkeiten des Pneus als „Selbstbildende Form“. Hier wurden improvisatorisch größere Raum-Form-Gebilde entwickelt und realisiert, die sich als Lehr- und Lernmodell nicht nur durch besondere Effizienz, sondern auch durch große Begeisterung auszeichneten, da der Studierende Planung, Bau und Anwendung unmittelbar erlebte: Scheitern und Erfolg inbegriffen.
In einem Zeitraum von einer Woche lebten und arbeiteten die Studierenden intensiv zusammen. Am ersten Tag stand ein Brainstorming, bei dem eruiert wurde, welche Form überhaupt geeignet erschien, als Pneu umgesetzt zu werden. Dabei wurden aus den unterschiedlichen individuellen Entwürfen und Vorstellungen paritätisch ein oder zwei Konzepte selektiert, die als kleiner Pneu im Modell (ca. 1 – 2 m groß) auf ihre Eignung getestet wurden. Kriterien wurden gebildet, Materialbelastbarkeit, Spannungsmomente, Klebe- und Verbundtechniken besprochen. Bei Dimensionen bis zu 15 m Höhe waren Windlasten und Befestigungsmechanismen zu bedenken.

Als Material diente uns Polyethylenfolie, deren Aufriss und Zuschnitt in einer großen Halle bewerkstelligt wurden. Ein Landwirt in der Nachbarschaft stellte uns diese Halle zur Verfügung. Das Verkleben und Verschweißen beanspruchte besondere Aufmerksamkeit und Sorgfalt, da von den Nähten Scheitern oder Erfolg abhing.

Der Tag des Aufbauens und Aufblasens war ein besonderer Moment, und die Anspannung und Erwartung war in jedem Gesicht abzulesen. Auch weil wir, wie in jedem Jahr, die Bewohner der Straße und andere Gäste zur Eröffnung des Pneus einluden.

Über ein Gebläse aus der Belüftungstechnik wurde der Luftdruck stufenlos geregelt, sodass kein Überdruck entstand. Ein eigens gefertigter Kanal leitete die Luft in den Pneu. Dennoch, jeder Pneu hat seine eigene Logik und die erste Füllung mit Luft war ein spannendes Unterfangen.
Die Freude und das Erstaunen war groß, als aus der Fläche ein riesiger Raum anwuchs, als der „Luftraum“ zum ersten Mal betreten wurde, als die spezielle Akustik wahrgenommen wurde, als das Licht einen besonderen Glanz an die Folienwand warf, als der Raum durch seine artifizielle Membran instabil und fragil wirkte, als sich die Atmosphäre aufheizte und als am Abend in der Dunkelheit vom inneren Licht projiziert, die großen Schatten an der Außenhaut des Pneus sich ablesen ließen.

Titel: Über den Pneu


Betreuer: Michael Schulze
Fähigkeit: Kreativität, Intuition, konzeptuelles und räumliches Denken, Abstraktionsfähigkeit, Kombinationsgabe, Originalität, Teamarbeit

Fertigkeit: Zeichnen, Proportionierung, Materialkenntnisse, Formfindung, handwerkliche und künstlerische Techniken.
Material: Polyethylen, Heißkleber
Kategorie: Plastik, Performative Architektur
Curriculum: Wahlfach, Exkursion
Zeitfenster: 6 Tage

Above the tire



Generally, there is always air in the room. But the idea of air being a static requirement of a spatial dwelling has extensively been researched by Frei Otto with the term ''self-imaging forms''. This special area in which you deal with tents, tires and gridshells has extended the frame spectrum of architecture.
Our focus of the last year's ''Eifel-Caps'' was put on the topic and the possibilietes of tires as ''self-imaging forms''. Here, large space-form-constructs were developed and realized. These constructs were characterized not only as efficient mock-ups and learning models, but also they were popular since the student immediately experienced the planning, the construction and the application: fail and success included.
During one week, the students closely worked and lived together. On the first day, there was a brainstorming about which form is suitable to be realized as a tire. Here, one or two concepts out of the different individual designs and ideas were selected equally. These selections were tested for their suitability by creating a small model (ca. 1 – 2m). Criteria were found, material capacity, moments of suspense, techniques for glueing and connecting were discussed. Since the final tire is supposed to be up to 15m high, wind loads and mechanisms of attachement had to be considered as well.
The material was polyethylene foil whose elevation and cutting was performed in a large hall. A neighborhood's farmer provided the hall. The glueing and welding needed special attention since the seams decided over fail or success.

The day of construction and inflation was a special moment at which you could see the tension and expectations in every student's face. Also, because we invited the residents of the street to the opening of the tire as it is done every year.

With the help of a fan provided by the ventialtion engineering, the air pressure was regulated stepless to avoid overpressure. A channel constructed for this exact purpose guided the air into the tire. Yet, every tire has its own logic and the first filling with air was an exciting undertaking.
The excitement and astonishment took over when the surface expanded to a huge room, when the ''airspace'' was entered for the first time, when the peculiar acoustic of the room has been perceived, when the light threw a special sparkle on the foil wall, when the room appeared instabile and fragile due to its artifical membrane, when the atmosphere heated up and when large shadows could be seen at the shell of the tire during the evening's darkness.

Title: Über den Pneu (''Above the tire'')
Supervisor: Michael Schulze
Ability: Creativity, intuition, conceptual and spatial thinking, ability of abstraction, power of deduction, originality, teamwork
Proficiency: Drawing, proportioning, knowledge of material, finding forms, technical and artistic techniques
Material: Polyethylene, hot glue
Category: Plastic art, performative architecture
Curriculum: Elective vourse, excursion
Time frame: 6 days
6Hals über Kopf 1

  

7Hals über Kopf

  

Hals über Kopf



Die Zonen um den menschlichen Körper definieren sich durch die Bewegungsradien der Arme, Beine und des Oberkörpers als Aktionsraum. Der Raum über dem Kopf scheint ein sensorisch, sensibler, geistiger Bereich zu sein, dem kulturgeschichtlich unterschiedliche Qualitäten und Bedeutungen zugewiesen wurden: z.B. Erleuchtung, Vergeistigung, Nimbus und Krone. Diesen Raum wollten wir mit dieser Übung formal spielerisch erschließen.
Als Attraktor oder Träger diente ein Brillengestell, an das die materialisierte Idee andocken sollte. Als weiteres Material stand gespaltener Bambus (Rollo) zur Verfügung: leicht und dennoch stabil, mit heißer Luft in verschiedene Radien biegsam und mit Heißkleber „verschweißt“. Das Operieren mit diesen Stäbchen könnte auch „räumliches Zeichnen“ genannt werden. Die sich ergebenden Öffnungen wurden später mit Papiermembranen als Flächen belegt und verklebt, so dass eine leichte, aber stabile Konstruktion entstand.
Der Aufgabentext: Bilden Sie aus diesen Vorgaben ein Objekt als ästhetisches System, in dem eine Ordnung, eine Logik und ein Gedanke ablesbar erscheint, der den Raum über Ihrem Kopf gebührend ausgestaltet. Sie sind Anwalt Ihrer eigenen ästhetischen Regeln. Sie entwickeln Gesetze, die nur Sie selbst einhalten müssen.
Diese Präambel dient dem Missbrauch der Beliebigkeit.

Im Wechselspiel von chaotischen Zuständen und systemorientiertem Handel durchlebte der Studierende Prozesse von Verwerfung und Ordnungssuche.
Durch das Tragen am eigenen Kopf und durch die funktionsfreie Bestimmung entstand so etwas wie ein bildhaft gemachter Gedanke, eine Information ähnlich einer Sprechblase. Die Brille als „Blickverstärker“ erhielt in diesem Objekt metaphorisch quasi die Bedeutung eines Wahrnehmungsinstruments zum Betrachten seiner selbst. Assoziative Momente setzten ein: Man ist erinnert an Segel, Flugobjekte oder florale Motive.



Titel: Hals über Kopf

Betreuer: Michael Schulze
Fähigkeit: Kreativität, Intuition, konzeptuelles und räumliches Denken, Kombinationsgabe, Originalität, Poesie
Fertigkeit: Proportionierung Komposition Materialkenntnisse Formfindung Handwerklich-künstlerische Techniken.

Material: Brillengestell, gespaltener Bambus, Zellpapier

Kategorie: Plastik,Objekt
Curriculum: Grundlehre
Zeitfenster: 6 x 3 SWS

Head over heels



The areas around the human body are defined by the radius of movement of the arms, legs and the torso as the action space. The space above the head seems to be a sensorial, sensitive, mental area which is cultural-historically loaded with several qualities and meanings: for example, enlightement, etherealness, nimbus and crown. This space should be exploited playfully in this course.
As a carrier, a spectacle frame has been chosen on which the materialized idea is supposed to be docked. As an additional material, split bamboo (window shade) was available: light and yet steady, flexible with the help of hot air and ''welded'' with hot glue. Operating with these rods could be namend ''spatial drawing''. Revealed holes later have been covered and glued with paper membranes, resulting in having a light but steady construction.
The task was: Create an object which enables to see an order, a logic and an idea, which decorates the space above your head appropiately, as an aesthetic system by using the given presets. You are the counsellor of your aesthetic rules. You develop laws which only yourself obeys to. This preamble serves the abuse of arbitrariness.

During the interplay of chaos and actions oriented towards the system, the student experienced processes of discarding and searching order. A metaphorical thought, like a speech bubble, was created by wearing the object on his own head and the determination without a particular function. The glasses as a ''view enhancer'' have been associated metaphorically as an instrument to observe oneself in this object. Associative moments employed: one is remembered of sails, flying objects or floral motifs.

Title: Hals über Kopf (''Head over heels'')
Supervisor: Michael Schulze
Ability: Creativity, intuition, conceptual and spatial thinking, power of deduction, originality, poetry
Proficiency: Proportioning, composition, knowledge of material, finding forms, technical and artistic techniques
Material: Spectacle frame, split bamboo, tissue
Category: Plastic art, objects
Curriculum: Basic studies
Time frame: 6 x 3 SWS
18Hut

  

Hut



Neben der Funktion als Schutzobjekt auf dem Kopf stellt der Hut in seinen unterschiedlichen Formen in vielen Kulturen ein Symbol für einen sozialen Status oder die Gruppenzugehörigkeit dar. Von der Mitra bis zur Baseballkappe, immer hat die Kopfbedeckung neben der Schutzfunktion auch rituelle Bedeutungen.
Trug man im Römischen Reich den Rüstungshelm nicht auf dem Kopf, so war keine Bedrohung zu erwarten. Darauf geht das Hutheben zurück, als Symbol der Freiheit, weshalb auch Sklaven zu ihrer Freilassung einen Hut erhielten.
Wenn man so will, handelt es sich bei einem Hut um eine kleine Architektur auf dem Kopf: die drei vitruvianischen Aspekte von firmitas (Festigkeit), utilitas (Funktion) und venustas (Schönheit) treffen auch hier jedenfalls zu.
Daher ist der Hut gut geeignet, um ihn in einem Gestaltungsprozess neu zu interpretieren. Besonders dann, wenn man dem Macher und Träger des Hutes eine starke Identifikation unterstellen darf. Weiterhin provoziert diese Auseinandersetzung auch ein Verhalten von kultureller Hinterfragung.
Das Anforderungsprofil bei dieser Stegreifaufgabe wurde aber insofern erweitert, als der Hut für eine ganz bestimmte Situation entworfen werden sollte, die sich von den sonst bekannten Bestimmungen und Anforderungen abheben und unterscheiden sollte. Also ein Ritual oder Spiel, das durch den Studierenden neu erfunden werden sollte.
Bei der Präsentation wurden in Form einer Modenschau die Hüte und ihre Legenden präsentiert. Wie ein unsichtbarer Funke wurde gleichzeitig ein performatives Moment gelöst, dem jeder seinen eigenen Ausdruck gab.


Titel: Hut

Betreuer: Michael Schulze
Fähigkeit Kreativität, Intuition, konzeptuelles Denken, Kombinationsgabe, Originalität, Poesie
Fertigkeit: performative Darstellung, Materialkenntnisse, Formfindung handwerkliche und künstlerische Techniken


Kategorie: Design, Objekt, Performance
Curriculum: Stegreif
Zeitfenster: 3 Wochen unbetreut

Hat



Apart from its function as a protecting object for the head, the hat represents a symbol for a social status or a group affiliation with its diverse forms in many cultures. From the miter to the baseball cap, the headgear always as a ritual meaning. In the Roman empire, if a soldier did not wear his helmet, the citizens didn't have to expect danger. That is where the act of lifting the hat comes from as a symbol of freedom. That is why slaves received a hat when they were released as slaves.
One could say that a hat is like a small architecture on top of the head: the three Vitruvian features of ''firmitas'' (firmness), ''utilitas'' (function) and ''venustas'' (beauty) fit to the hat anyway.
That is why the hat is so suitable to be interpreted in a new way during a process of design. Especially, when you can allege the creator and wearer of the hat with a strong identification. Furthermore, this involvement provokes a behavior of questioning our culture.
The demand profile of this impromptu has been extended with the demand of creating the hat for a very special occasion. The design of the hat should set apart from the usual purposes and requirements. Thus, it is a ritual or a game that is supposed to be reinvented by the students.
The hats and their legacies have been presented in the form of a fashion show. Like an invisible spark, a performative momentum has been resolved which got its expression by every single student.

Title: Hut (''Hat'')
Supervisor: Michael Schulze
Ability: Creativity, intuition, conceptual thinking, power of deduction, originality, poetry
Proficiency: Performative presentation, knowledge of material, finding forms, technical and artistic techniques
Category: Design, objects, performance
Curriculum: Impromptu
Time frame: 3 weeks (not supervised)
8Kinetik  

Kinetik



Es liegt nahe, dass der Mensch in seiner Entwicklungsgeschichte über den rollenden Stein zur Anwendung des Rades gekommen ist. Neben den großen technischen Konsequenzen, die aus der Erfindung des Rades resultieren, existiert ein illusorisches Vorhaben, nämlich eine Maschine zu entwickeln, die ohne äußere Energie, nur durch sich selbst, am Laufen gehalten wird: das Perpetuum mobile. Selbst heute noch eine Herausforderung für Tüftler und Ingenieure.
Der Ingenieur entwickelt in der Regel eine Maschine aus einem Mangel, einem Problem heraus, das im Sinne einer automatisierten Weltsicht behoben werden soll. Der Künstler hingegen, der eine Maschine baut, ist von zweckfreien Motiven angetrieben. Er ist fasziniert von der poetischen Wirkung der Bewegung. Marcel Duchamp erklärte zu seinem Fahrrad-Rad auf Barhocker, dass ihn die Beobachtung dieser Bewegungen an das hypnotische Flackern eines offenen Kaminfeuers erinnert hätte. Der Kinetik sind also sinnliche Aspekte inhärent.
Das aus dem griechischem stammende Wort Kinetik bedeutet Bewegung. Der Begriff findet Anwendung in den Naturwissenschaften sowie in der bildenden Kunst. Die Einordnung einer Plastik unter kinetischer Kunst bedingt, „dass die Bewegung an sich zum Gestaltungsprinzip gehört“(Frank Popper).
Der Studierende soll in dieser Übung mit der Wechselwirkung von Form, Farbe und Bewegung in einem dynamischen System arbeiten. Zur Verfügung stehen Stahlbleche, Rundstähle und Kugellager, die in einer Art Baukastensystem mithilfe einfacher handwerklicher Fertigkeiten verarbeitet werden. Imagination und das räumliche Denken werden hier auf eine ganz besondere Weise gefordert. Der Entwurf einer kinetischen Plastik verlangt nicht nur die Gestaltung verschiedener Formen, sondern auch die Bedeutung, Einbeziehung und Veränderung im beanspruchten Raum. Das ist ein Punkt, an dem die menschliche Vorstellungskraft schnell überfordert ist oder zumindest in einem Grenzbereich arbeiten muss. Der Teilnehmer soll lernen, ein komplexes System über Modelle und Skizzen in überschaubare Einzelfragen zu zerlegen, um dennoch eine Einheit zu bilden.
Neben den zu entwickelnden Formen soll ein Farbkonzept erarbeitet werden. Als Hilfestellung erstellen die Studierenden mehrere Farbvarianten. Das Konzept soll unter Berücksichtigung von Farbklang, Farbgewichtung und Kontrast entwickelt werden.
Titel: Kinetik

Betreuer: Michael Staack, Michael Schulze
Fähigkeit: Kreativität, Intuition, Wahrnehmung, konzeptuelles und räumliches Denken, Kombinationsgabe, Originalität, Poesie

Fertigkeit: Zeichnen, Proportionierung Komposition Materialkenntnisse Formfindung Farbkenntnisse Mechanische Kenntnisse Handwerklich-künstlerische Techniken.
Maße: ca. 70 cm H
Material: Kugellager, Stahlblech, Acrylfarbe

Kategorie: Plastik
Curriculum: Grundlehre
Zeitfenster: 6 x 3 SWS

Kinetics



In the course of his development, it seems obvious that the human invented the use of the wheel inspired by the rolling stone. Apart from the major technical consequences that resulted from the invention of the wheel, there is an illusory plan, namely the invention of a machine that is driven only by itself, excluding every single source of external energy: the perpetuum mobile.
Even today, it is a challenge for tinkerers and engineers. The engineer usually developes a machine because of a flaw or a problem that is supposed to be solved from an automatized world view. The artist who builds a machine, however, is driven by purposeless motifs. He is fascinated by the poetic effect of movement. Marcel Duchamp gives an account of his bicycle-wheel on a barstool, namely that the observation of these movements reminded him of an open fire's hypnotic flickering. Sensual aspects thus are inherent in the field of kinetics.
Having its roots in the Greek language, the word kinetics means movement. The expression is used in the natural sciences as well as in visual arts. If you want to categorize a piece of statuary art into the field of kinetic arts, it is necessary ''that the movement itself belongs to the principle of design'' (Frank Popper).
In this course, the student is supposed to work with the interaction of form, color and movement in a dynamic system. Tin, round steel and ball bearings are available for the students and are processed in a modular design with the help of simple technical skills. The student's imagination and spatial thinking are especially required in this task. Creating a sketch for a kinetic statuary art does not only require the design of different forms but also the meaning, inclusion, and change in the claimed room. This is a situation where the human imagination is overwhelmed often or at least needs to work at its limits. The participant is supposed to learn how to dissect a complex system into manageable indivual issues with the help of models and sketches to keep up the entity of the object. Apart from the forms that are supposed to be developed, the students should work out a concept of colors. As a support, the students developed several color variations. The concept is supposed to be designed considering color tone, weight and contrast.

Title: Kinetik (''Kinetics'')
Supervisor: Michael Staack, Michael Schulze
Ability: Creativity, intuition, reception, conceptual and spatial thinking, power of deduction, originality, poetry
Proficiency: Drawing, proportioning, composition, knowledge of material, finding forms, knowledge of mechanisms, technical and artistic techniques
Measures: ca. 70 cm H
Material: Ball bearings, tin, acrylic paint
Category: Plastic arts
Curriculum: Basic studies
Time frame: 6 x 3 SWS
38Wettbewerb Freiheitsdenkmal Berlin 2
  
39Wettbewerb Freiheitsdenkmal Berlin  

„Einheits- und Freiheitsdenkmal“ Berlin



Aus der Disziplin der Plastik heraus entwickeln wir Themen für die Bachelorabschlussarbeit. Diese rekrutieren sich aus dem Bereich performativer Architektur: Bühnenbild, Kunst im öffentlichen Raum, Messe- und Ausstellungsarchitektur etc. In diesen Projekten bündeln sich unterschiedliche Entwurfs- und Gestaltungsfaktoren, die die Studierenden zu einem Gestaltungsziel zusammenführen sollen.
Mit einem Entwurfsprojekt schließen die Studierenden ihr Bachelorstudium ab. Hier sollten sie darlegen, dass sie in der Lage sind, einen eigenen Entwurf zu konzipieren und mit den anwendungsbezogenen Instrumentarien des Architekten, unter technischen, künstlerischen und gestalterischen Gesichtspunkten, diesen durchzuführen. Ein solches Projekt stellt den ersten eigenen Entwurf dar, den ein Studierender autonom gestaltet. Dieser wird durch eine wöchentliche Betreuung begleitet.
Weiterhin wird dieser Entwurf durch eine Seminarreihe begleitet, die in diesem Fall von dem Kollegen Dr. Alexander Markschies betreut wurde, in der es um die theoretische und historische Aufarbeitung des Themas ging.
Konkret sollten hier, außer Konkurrenz zum Wettbewerb um das „Einheits- und Freiheitsdenkmal“ in Berlin, Entwürfe entstehen, die die Ereignisse der deutschen Wiedervereinigung von 1989/90, den Bürgermut und die Zivilcourage der DDR-Bürger würdigen. Das Denkmal soll auf dem Sockel des ehemaligen Nationaldenkmals vor dem neu zu errichtenden Schloss stehen und Rückblick, aber auch Anstoß sein, den demokratischen Aufbruch fortzusetzen, um Demokratie und Einheit zu festigen.
Unter diesen Prämissen begannen die Recherchen durch Zeichnen und Fotografieren vor Ort; Analyse städtebaulicher und Baubestandsaspekte etc. sowie die Auseinandersetzung mit der jüngeren deutschen Geschichte oder philosophischen Fragen: Was ist Einheit oder Freiheit? Wie können diese intellektuellen Erkenntnisse, Inputs und Informationen zu einem Gestaltungskonzept bzw. in einen konkreten Entwurf münden?
Meiner Ansicht nach ist es notwendig, die Informationen auf eine Metaebene zu hieven, dass aus ihnen ein Bild, ein Zeichen oder ein Symbol entsteht. Durch spielerische Brainstormings war es möglich, klischeehafte und interessante Vorstellungsbilder zu generieren. Deren Qualitäten wurden oft nicht erkannt, aber dennoch mühsam herauskristallisiert. Metaphern und Symbole wurden auf ihre Aussagen und Gültigkeiten überprüft. Bei den Studierenden stellte sich bildhaftes Denken als Mangel dar, da im bisherigen Studium baukonstruktive und zweckfunktionale Aspekte im Vordergrund standen. Hier waren Fähigkeiten der Imagination, der Fantasie und der Intuition gefragt.
Jeder Studierende fand ein Leitmotiv, nach dem geforscht wurde: z.B. systemische Orientierung an zentrifugalen Formen, tierischen Massenformationen, räumliche Sichtbarmachung von Musikamplituden, Kommunikation per Dosentelefon, kinetische Mauer, Abbildung der Zeit etc.
Aus diesen Fragestellungen, Themen und Übersetzungen erwuchsen die Entwürfe, bei deren Planung die Darstellung, aber ebenso die technisch konstruktiven Fragen beantwortet werden sollten.

Titel: „Einheits- und Freiheitsdenkmal Berlin“

Betreuer: Michael Schulze
Seminar: Alexander Markschies
Fähigkeit Kreativität, Intuition, konzeptuelles und räumliches Denken, Kombinationsgabe, Originalität


Fertigkeit: Zeichnen, CAAD- Darstellung, Materialkenntnisse, Komposition, Formfindung, Farbkenntnisse, handwerkliche und künstlerische Techniken, wissenschaftliches Arbeiten




Kategorie: Kunst im öffentlichen Raum, Performative Architektur
Curriculum: Bachelorabschlussarbeit
Zeitfenster: 3 Monate

Memorial of unity and freedom



Taken from the discipline of statuary arts, we developed topics for the final work of the bachelor studies. These came from the area of performative architecture: scenery, art in the public space, architecture of exhibition etc. In these projects, different factors of drafts and designed combined which should be joined by the students to a certain design target.
Students finish their bachelor studies with a design project. Here, they should show that they are able to conceptualize an own draft as well as conducting this draft with the apllied instruments of an architect, considering technical, artistic and creative aspects of architecture. Such a project represents the first individual draft that is designed by the student in an autonomous way. This supervised by having weekly support.
Furthermore, this draft is accompanied by a set of seminars which are held by the colleague Dr. Alexander Markschies in this case. The seminars covered the theoretical and historical workup of the topic.
Specifically, drafts should be created (non-competitive for the ''Memorial of unity and freedom'' in Berlin) that honor the events of the German reunion in 1989/90 and the civil courage of the citizens of the GDR. The memorial is supposed to be put on the base of the former national memrorial in front of the palace. It is supposed to be a flashback as well as an impetus for continuing the democratic awakening, for consolidating democracy and unity.
Under these premises, the research with the help of drawing and taking photos at this place began; analysis of aspects of town planning and building stock etc., as well as the involvement with the young German history or philosophic questions: What is unity or freedom? How can these intellectual insights, inputs and information flow into a concept of design, respectively a concrete draft?
In my opinion, it is necessary to lift the information on a meta level, thus creating an image, a sign or a symbol. With the help of playful brainstormings, it was possible to generate cliché and interesting imaginations. Often, their qualities have not been recognized but still crystallized out laboriously. Metaphors and symbols were tested for their messages and validness. The students seemed to have a lack of metaphorical thinking since the former studies focussed on aspects of structural design and functions. But here, skills of imagination, fantasy and intuition were required.
Every student chose a leitmotif that they researched on: for example, systemic orientation towards centrifugal forms, animalistic mass formations, spatial visualization of musical amplitudes, communication via tin can telephones, kinetic walls, illustration of time etc.
Coming from these questions, topics and translations, the drafts were created. During the planning, the illustration as well as the technical and constructive questions are supposed to be answered.

Title: „Einheits- und Freiheitsdenkmal Berlin“ (''Memorial of unity and freedom, Berlin'')
Supervisor: Michael Schulze
Seminar: Alexander Markschies
Ability: Creativity, intuition, conceptual and spatial thinking, power of deduction, originality
Proficiency: Drawing, CAAD-illustration, knowledge of material, composition, finding forms, knowledge of color, technical and artistic techniques, academic work
Category: Art in the public space, performative architecture
Curriculum: Final work for the bachelor studies
Time frame: 3 months
38Wettbewerb Freiheitsdenkmal Berlin 2  Derya Bekar

„Deutsche Symphonie“



Der Text der deutschen Nationalhymne, verfasst von August Heinrich Hoffmann von
Fallersleben 1841. Die Melodie entstammt dem Kaiserlied von Joseph Haydn,
komponiert 1796.
Durch die Wiedervereinigung bekommt diese Verszeile eine besondere Bedeutung:
„ Einigkeit und Recht und Freiheit für das deutsche Vaterland!“. Seit der Wiedervereinigung ist dieses Lied die Hymne aller freien
und geeinten Deutschen. Das Konzept dieser Projektarbeit basiert auf der Melodie dieser Verszeile, um diese für den Besucher, den Flaneur und Bürger begehbar zu machen.
Die ersten sieben Sekunden der Melodie von „ Einigkeit und Recht und Freiheit“ wurden mithilfe der Hüllkurve visualisiert. Diese zweidimensionale Grafik diente als Ausgangspunkt für den Entwurf und wurde dreidimensional, als Flächenscheiben in den Raum generiert. Es entstand ein perforierter Innenraum, der
durch die Zwischenräume der Raumscheiben eine visuelle Verbindung mit der geplanten Schlossfreiheit eingeht und dadurch auch einen städtebaulichen Bezug zur Umgebung herstellt. Die vorbeifahrenden Fahrzeuge erleben durch die schnelle Veränderung, den visuellen Eindruck eines Moirêe Effekts.
Derya Bekar

German symphony



The text of the German national anthem was written by August Heinrich Hoffmann von Fallersleben in 1841. The melody came from the Kaiserlied by Joseph Haydn, composed in 1796.
Due to the reunion, one particular line gets a special meaning: ''Unity and justice and freedom for the German fatherland!“. Since the reunion, this song is every free and united German's anthem. The concept of this project is based on the melody of this line to make it accessible for the visitor, the stroller and the citizen.
The first seven seconds of the melody of ''Unity and justice and freedom'' have been visualized with the help of the envelope curve. This two-dimensional graphic serves as a starting point for the sketch and has been generated in a three-dimensional way as a surface pane. A perforated internal space has been created which has a visual connection with the planned Schlossfreiheit due to the blanks of the panes, thus establishing a relationship of town planning with the surrounding. The passing vehicles experience the visual impression of a Moirêe-effect due to the fast change.
39Wettbewerb Freiheitsdenkmal Berlin  Marie Carl

Manifest für ein „Freiheits- und Einheitsdenkmal“



Meist wird Freiheit nur in Verbindung mit anderen Wörtern, wie Meinungs-, Reise- oder Pressefreiheit verstanden. Freiheit im Allgemeinen darzustellen, ist daher unmöglich, jedoch kann man sich diesem doch sehr abstrakten Begriff durch
Darstellung einzelner Aspekte näheren und ihm somit ein Gesicht, ein Zeichen oder Symbol geben.
Die Zusammenführung des deutschen Volkes soll hier im Vordergrund stehen.
Ein Denkmal in dem Glauben zu bauen, dass die deutsche Einheit
schon Realität sei, soll hier nicht die Absicht sein. Stellt man auf den Platz
ein Symbol für deutsche Einheit und Freiheit, ist die Wirkung sehr
gering, da sich eine Einheit im Bewusstsein der Menschen noch nicht
manifestiert hat. Es hat für sie noch keine verbindende, wirklich für die
Einheit stehende Bedeutung, denn noch ist der Punkt nicht erreicht zu
sagen, dass diese Einheit auch tatsächlich existiert. Die Bedingungen für einen gesellschaftspolitischen Prozess müssen geschaffen werden.
Daher sollte der Ort ein Forum für Kommunikation und Auseinandersetzung über dieses Thema sein, woraus dann Akzeptanz und sogar Identifikation wachsen könnte.
Marie Carl

Manifesto for a 'memorial of freedom and unity



Usually, ''freedom'' is only understood in combination with other words like freedom of opinion, to travel or of press. That is why illustrating freedom in general is impossible. Yet, one can approximate to this very abstract term by illustrating individual aspects of freedom, thus giving it a face, a sign or a symbol.
The merging of the German people is supposed to be in the focus. It is not the intention to build a memorial, thinking that the German unity is already realized. If you put a symbol for German unity on the square, it will be quite ineffective since the unity is not manifested in the people's minds yet. It does not have a unifying meaning that really stands for the unity since the point is not reached yet at which you could say that the unity is really existing. The requirements for a sociopolitical process need to be created first.
That is why the planned memorial is supposed to be a place for communication about and dealing with this topic, which could possibly result in acceptance and even identification.
42Bühnenbild  Bachelorabschlussarbeit

Ein Bühnenbild für Tosca



Wie sehr Bühnenbild und Architektur gleichermaßen von der Idee des
Inszenatorischen bestimmt sind, zeigt sich nicht zuletzt darin, dass viele Architekten auch begnadete Bühnenbildner sind und waren: Karl Friedrich Schinkel, Hans Poelzig, Fritz Schumacher und viele mehr. Sie stehen für die enge Verbindung zwischen der Architektur und ihrer ephemeren Schwester, der vergänglichen Bühnenbildkunst. Für den Architekten Schinkel z.B. stellte die Beschäftigung mit dem Bühnenbild fast sein ganzes schöpferisches Leben hindurch eine wichtige Aufgabe dar.
In der gegenwärtigen universitären Architekturausbildung steht das Bündnis mit der Technologie meist im Vordergrund, und der Bereich Bühnenbildkunst wird leider unterschätzt und vernachlässigt. Zeigen doch die kulturellen und stilistischen Wandlungen der Künste auf den Theaterbühnen und in der Architektur gleichermaßen eindrucksvoll ihre Verwandtschaft und ihre Ausdruckmöglichkeiten. Das inszenatorische Motiv der gegenwärtigen Architekturauffassung drückt in dem Begriff der Performativen Architektur seine vielfältige Bedeutung aus.
Die Oper Tosca, von Giacomo Puccini aus dem Jahre 1898, stellt im Theaterwesen wegen ihrer Vielzahl von Inszenierungen eine große gestalterische Herausforderung dar. Der konkrete, aber doch fiktive Spielort für unseren Entwurf, war der alte Rittersaal in Heidenheim, wo zur Sommerzeit auf einer Freilichtbühne Tosca aufgeführt werden sollte. Das originale Bühnenbild dazu wurde in dem Jahr von Detlev Beaujean gestaltet. Dieser glückliche Umstand verhalf uns zur Kollaboration an diesem Ort, mit diesen Fachleuten.
Die Ausgangslage: Tosca, eine Oper in drei Akten. Die Ruine des Rittersaals. Keine großen technischen Bühnenbauten wie in Theaterhäusern. Einfache Logistik und Improvisationsbedarf. Vorgegebene Anzahl der Sitzplätze. Unter diesen realen Bedingungen sollte der Entwurf stattfinden.
Zur Bearbeitung dieses Themenkomplexes konnte ich die Theaterwissenschaftlerin Katherina von Gallwitz, den Ausstattungsleiter des Theater Aachens, Detlev Beaujean, sowie den Dramaturg und Regisseur Lukas Popovic gewinnen, die den Studierenden vor und während der Entwurfsphase wertvolle Erkenntnisse, Erfahrungen und Inputs vermitteln konnten. In Heidenheim erläuterte uns der Veranstaltungsleiter Oliver von Fürich die vielfältige Situation vor Ort. Dr. Gerald Köhler, der auf Schloss Wahn die theaterwissenschaftliche Sammlung der Universität zu Köln betreut, eröffnete den Studierenden großartige Einblicke in Originalmaterialien der Bühnenbildgeschichte. Weiterhin wurde dieser Entwurf durch eine Seminarreihe begleitet, die vom Kollegen Dr. Alexander Markschies betreut wurde, in der es um die theoretische und historische Aufarbeitung des Themas ging. Diese Kollaborationen stellten sich als ausgesprochen effektiv für die Entwurfsarbeit heraus.

Titel: „Ein Bühnenbild für Tosca“
Entwurf: Florian Summa

Betreuer: Michael Schulze, Hyesug Park
Seminar: Alexander Markschies
Fähigkeit: Kreativität, Intuition, konzeptuelles und räumliches Denken, Kombinationsgabe, Originalität, Poesie
Fertigkeit: Zeichnen, CAAD-Darstellung, Komposition, Materialkenntnisse, Formfindung, Farbkenntnisse, handwerkliche und künstlerische Techniken, wissenschaftliches Arbeiten
Kategorie: Bühnenbild, Performative Architektur
Curriculum: Bachelorabschlussarbeit
Zeitfenster: 3 Monate
Final work for the bachelor studies

A stage design for Tosca



How equally stage design and architecture are determined by the idea of the directorial, can not only be seen by the fact that many architects have been highly gifted stage designers: Karl Friedrich Schinkel, Hans Poelzig, Fritz Schumacher and many more. They represent the close connection between architecture and its ephemeral sister, the fading stage design arts. For the architect Schinkel, for instance, the involvement with stage design figured prominently almost for his whole creative life.
In the current architectural education, the connection with technology is often in the focus, unfortunately underestimating and neglecting the area of stage design art. That is although the cultural and stylistic changes of the art on theatre stage and in architecture equally show their relatedness and their means of expression. The directorial motif of the current perception of architecture expresses its diverse meaning in the term ''performative architecture.
The opera Tosca written by Giacomo Puccini in 1898 represents a serious creative challenge in the stage design due to its great number of enactments. The concrete but yet fictional venue for our draft was the old knight's hall in Heidenheim where Tosca was supposed to be enacted on the outdoor stage during the summer times. The original stage design was created by Detlev Beaujean. This happy case helped us with the collaboration at this place and with these experts.
The starting point: Tosca, an opera with three acts. The wreckage of a knight's hall. No fancy technical stage constructions like in theatres. Simple logistics and demand for improvisation. Predefined amount of seats. Under these real conditions, the draft was supposed to happen.
For the process of this group of themes, I was able to recruit the theater scientist Katherina von Gallwitz, the equipment head of Aachen's theatre Detlev Beaujean, as well as the dramaturg and director Lukas Popovic. Before and during the design phase, they were able to convey valuable knowledge, experiences and inputs to the students. In Heidenheim, the conference manager Oliver von Fürich explained the diverse situation on the spot. Dr. Gerald Köhler, who is in charge of the collection of the university of Cologne concerning the theater science, enabled the students to gain great insights into original materials of the history of stage design. Furthermore, this draft has been accompanied by a set of seminars which were supervised by the colleague Dr. Alexander Markschies. The seminars dealt with the theoretical and historical workup of the topic. These collaborations turned out to be a very effective advantage for the work on the drafts.

Title: „Ein Bühnenbild für Tosca“ (''A stage design for Tosca'')
Draft: Florian Summa
Supervisor: Michael Schulze, Hyesug Park
Seminar: Alexander Markschies
Ability: creativity, intuition, conceptual and spatial thinking, power of deduction, originality, poetry
Proficiency: Drawing, CAAD-illustration, composition, knowledge of material and color, finding forms, technical and artistic techniques, academic work
Category: Stage design, performative architecture
Curriculum: Final work for the bachelor studies
Time frame: 3 months
40Mahnmal Loveparde  Masterprojekt 1

Loveparade



Realität und Wirklichkeit werden fälschlicherweise oft als Synonym gebraucht. In der Trennung von Natur und komplexer Realität, liegt eine Grenze, die sich der Einzelne und die Gesellschaft selten bewusst machen. Erst durch Katastrophen oder existenzielle Grenzerfahrungen tritt Betroffenheit ein.
So auch die Katastrophe in Duisburg zur "Loveparade" im Jahre 2010: 21 Todesopfer und ca. 500 Verletzte und zum Teil Schwerverletzte.

Wie geht die Gesellschaft mit einem solchen Verlust um? Welche Zeichen oder Symbole gelten, um Trost, Gedenken und Mahnung zu stiften?
Welche künstlerische oder architektonische Form ist dem angemessen, kann diesen Komplex aufnehmen und reflektieren?
Sind Denkmal, Mahnmal überhaupt noch angemessene Formen, sich mit den Themen von Verlust und Tod auseinanderzusetzen?

Wir schauen erst einmal zurück: Das Wort Denkmal lässt sich erstmals in den Schriften Martin Luthers nachweisen, wo es die Bedeutung „Gedächtnisstütze“ hat. Er verwendet als Erster das lateinische monumentum („gemahnen“, „erinnern“). Bis ins 19. Jahrhundert wurde diese Bezeichnung synonym mit Monument verwendet, während heute mit Letzterem vor allem Denkmäler besonderer Größe bezeichnet werden
„Denkmal im weiteren Sinne" ist ein kulturgeschichtlich bedeutsamer Gegenstand.
„Denkmal im engeren Sinne" ist ein für eine Person oder Ereignis errichtetes Erinnerungsmal. Denkmäler sind Ausdruck eines Zeitgeistes, sie „vergegenwärtigen unser Erbe, konfrontieren uns mit einer fortwirkenden Vergangenheit, die... beharrlich, unbarmherzig, bisweilen auch versöhnlich ... in unsere Gegenwart hineinragt". (Schlie, Ulrich)
Dabei wird deutlich, dass die Sprache eminenter Teil eines Denkmals ist und auch an ungegenständlichen oder architektonischen Denkmälern oft zumindest mit einer Gedenktafel vertreten ist. Hierbei berührt die Debatte die gesellschaftlichen Mechanismen, welche an das Gedenken gebunden sind. Das ist die Akzeptanz des Erinnerungsmales als Objekt, die transportierten Inhalte und die Wirkung dieser Inhalte.
Denkmale im engeren Sinne der Kunstgeschichte sind künstlerisch gestaltete Objekte. Sie gehören zu den klassischen Genres von Baukunst und Bildhauerei. Sie lassen sich wiederum in weitere Gruppen einteilen: Gedenkstätte, Grabmal, Friedhof, Kriegerdenkmal, Mahnmal, Nationaldenkmal; und baulich in: Mausoleum, Triumphbogen, Denkmalturm, Statue, Reiterstandbild, Stele, Gedenkstein, Bildstock, Inschrift oder Bildtafel.
Das Mahnmal ist eine Spezialform des Denkmals, das durch seine öffentliche Präsenz mahnend an ein historisches Ereignis erinnern soll. Mahnmale sollen im Betrachter Betroffenheit erzeugen und das Erinnern über die Generationen hinweg tradieren. Komplexere Anlagen dieser Art, wie die Überreste aus der Zeit des Nationalsozialismus, werden eher als Gedenkstätten bezeichnet (z.B. Konzentrationslager).
In diesem Projekt sollte es darum gehen, am Unglücksort in Duisburg(„Tunnel“ und „Rampe“) ein Zeichen für die Opfer zu errichten. Hierzu erläuterte vor Ort Kornelia Hendrix die Situation aus Sicht des Vereins „Never Forget“. Die öffentliche Diskussion drehte sich hauptsächlich um die Schuldfrage und um politische Verantwortung.
Bei dem Entwurf einer Gedenkstätte ging es uns jedoch um ganz andere Fragen: Wie geht man mit dem Ort um? Soll man ihn erhalten, kann man ihn eliminieren oder gar „verpflanzen“? Wem nützt eine Gedenkstätte und was ist eigentlich „Gedenken“?
Zu diesen Fragen konnte der Polizeiseelsorger Volker von Eckardstein wichtige Anregungen liefern. Aus wissenschaftlicher Sicht steuerten Dr. Brigitte Franzen und Dr. Werner Tschacher wichtige Erkenntnisse bei. Im ergänzenden Seminar wurden die Themen „Erinnerungskultur" und „Stätten des Gedenkens und Mahnens“ anhand von historischen und aktuellen Quellen und Beispielen über Referats- und Recherchearbeit aufgearbeitet. Performative Architektur, Interventionen und Kunst im öffentlichen Raum zeigten Beispiele der Übersetzungsmöglichkeiten auf. Weiterhin führten uns Exkursionen innerhalb Aachens an Orte des Mahnens und Gedenkens, die durch den Historiker Dr. Frank Pohle geleitet waren und die bisherige Lösungen als Erinnerungskultur anschaulich machten.
Aus diesen Beiträgen über Sinn, Zweck und Funktion einer solchen Gedenkstätte sollten Erkenntnisse gewonnen und analysiert werden, die über die theoretische Auseinandersetzung hinaus in eine Gestalt münden.
Aus dieser Haltung entwickelte jeder Studierende sein Entwurfskonzept. Aus Elementen der Architektur, der Kunst und städtebaulichen Aspekten, sollte frei auf den Ort und die Geschehnisse reagiert werden. Bilder, Formen, Farben, Licht, Sound, Materialien, Spuren, Strukturen und Oberflächen konnten wichtig werden, um der Erinnerung einen Ausdruck zu geben. Der Entwurfsprozess warf Fragen auf, die nicht pauschal zu beantworten waren, denn es gibt kein „Handbuch für Gedenkstätten“. Am Ende gab es gestalterische Statements, die über ästhetische Möglichkeiten und kritische Einschätzungen Antworten gaben.


Titel: Loveparade
Entwurf: Florian Nienhaus
Entwurfsbetreuung: Michael Schulze, Axel Friedrich
Seminar: Michael Schulze
Fähigkeit : Kreativität, Intuition, Wahrnehmung, konzeptuelles und räumliches Denken, Abstraktionsfähigkeit, Kombinationsgabe, Originalität, Poesie
Fertigkeit: Zeichnen, CAAD-Darstellung, Proportionierung, Komposition, Materialkenntnisse, Formfindung, Farbkenntnisse, handwerkliche und künstlerische Techniken, wissenschaftliches Arbeiten


Kategorie: Kunst im öffentlichen Raum, performative Architektur
Curriculum: M1 Projekt
Zeitfenster: 3 Monate



Fabian Nienhaus

Mahnmal Loveparade


Die Loveparade war ein Technofestival und eines der größten Open-Air-Veranstaltungen, das jährlich bis an die 300 000 Raver anzog. Das Fest stand für Liebe, Freiheit, Sex, Gemeinsamkeit und Freude. Binnen weniger Stunden verwandelte sich das fröhliche Event in ein Symbol der Massenpanik, Tod und Trauer: 21 Tote und ca. 500 Verletzte. Die Loveparade gibt es deswegen nicht mehr. In Duisburg war die letzte Veranstaltung. Diese traurige Wandlung findet sich symbolisch in meinem Mahnmal wieder: Vom Geordneten ins Chaotische.

Das Material besteht aus den alten Stahlträgern des Güterbahnhofes, der für den Masterplan „Duisburger Freiheit“ abgerissen werden soll. Der alte Güterbahnhof prägt das Gelände und steht für das „Ankommen und Wegfahren" der letzten Loveparade. Er trägt den Geist des Ortes und der Vorkommnisse und präsentiert damit die fatale Entscheidung für die Wahl dieses Ortes. In den Stahlträgern sind diverse Vornamen aus dem Metall herausgeschnitten. Vornamen, die nicht nur für die Toten und Verletzten stehen, sondern auch für alle, die diesen traurigen Tag in Duisburg miterlebten oder sich betroffen fühlen.
Master Project 1

Loveparade



Reality and realness are often falsely used as synonyms. There is a border between nature and complex reality, what is rarely brought to mind by individuals and the society. Dismay is only triggered by catastrophesor existential borderline experiences.
That is also the case with the catastrophe in Duisburg at the ''Loveparade'' in 2010: 21 deaths and about 500 injured, partly seriously injured.

How does society deal with such a loss? Which sign or symbols are valid to endow consolation, commemoration and warning?
Which artistic or architectural form is appropiate to absorb and reflect this complex?
Are memorials even an appropiate form to deal with topics like loss and death?

Let's take a look back first: The word ''memorial'' can be traced back to the works of Martin Luther, having the meaning of ''memory aid''. He is the first one to use the latin monumentum (''remember''). Up to the 19th century, this term has been used as a synonym for the memorial. Today, however, we often describe monuments with a special size with this term.
''Memorial in a broader sense'' is a culture-historical meaningful subject. ''Memorial in the narrower sense'' is a monument that is constructed for a person or an event. Monuments are the expressions of a zeitgeist, they ''make our heritage present', confronting us with a continuing past that […] is projected into our present in a tenacious, ruthless but sometimes also forgiving way''. (Schlie, Ulrich).
Here it becomes obvious that language is an important part of a monument which is often represented in the form of memorial plaque at non-objective or architectural memorials. The debate touches the social mechanisms which are bound to the commemoration. That is the acceptance of the memorial as an object, the transported contents and the effect of these contents.
In the history of art, memorials in the narrower sense are artistically designed objects. They belong to the classical genres of the art of construction and sculpting. They can be divided further: memorials, monuments, graveyards, war memorials, national memorials; and structurally in: mausoleum, triumphal arch, memorial tower, statue, equestrian statue, stele, commemorative stone, piety column, inscription or plate.
The memorial is a special kind of the monuments that is supposed to remember people of a historical event in an admonitory way. Memorials want to trigger consternation and to pass on remembering for further generations.
This project is about creating a sign for the victims at the spot of the tragedy in Duisburg (''tunnel'' and ''ramp''). Therefore, Kornelia Hendrix explained the situation from the viewpoint of the association ''Never Forget''. The public discussion mainly dealt with the question of guilt and with political responsibility.
The draft of the memorial, however, addressed completely different questions: How to deal with the location? Are you supposed to conserve it, can you eliminate it or even ''transplanted''? For whom is the memorial useful and what is ''commemoration'' actually? The police chaplain Volker von Eckardstein could offer valuable suggestions for answering these questions. From a scientific point of view, Dr. Brigitte Franzen and Dr. Werner Tschacher contributed important insights. In the accompanying seminar, the topics ''commemorative culture'' and ''sitess of commemoration and warning'' have been reconditioned with the help of historical and recent sources and examples for presentations and research. Performative architecture, interventions and art in the public space served examples for possibilities of translation. Furthermore, excursions within Aachen to places of warning and commemoration have been conducted which have been led by Dr. Frank Pohle. These excursions visualized the former solutions for a commemorative culture.
Through these inputs about sense, purpose and function of memorials, the students were supposed to gain insights and to analyze them, joining them into a certain shape beyond the theoretical discussion.
From this attitude, the students developed the concept of their drafts. They were supposed to react freely to the place and the events concerning elements of architecture, arts and aspects of town planning. Images, forms, colors, light, sound, materials, traces, structures and surfaces could be important to give the memory its expression.
The process of drafting raised issues that could not be solved generally since there is no ''manual for memorials''. In the end, there were creative statements that gave answers through their aesthetic possiblities and critical evaluations.

Title: Loveparade
Draft: Florian Nienhaus
Draft's supervision: Michael Schulze, Axel Friedrich
Seminar: Michael Schulze
Ability: Creativity, intuition, reception, conceptual and spatial thinking, ability of abstraction, power of deduction, originality, poetry
Proficiency: Drawing, CAAD-illustration, proportioning, composition, knowledge of material and color, finding forms, technical and artistic techniques, academic work
Category: Art in the public space, perfomative architecture
Curriculum: M1 project
Time frame: 3 months

Fabian Nienhaus

Mahnmal Loveparade (''Memorial Loveparade'')


The love parade was a techno festival and at the same time one of the biggest open-air events that attracted up to 300.000 raver each year. The event stood for love, freedom, sex, community and joy. But within a few hours, the happy event transformed into a symbol of mass panic, death and grief: 21 deaths and about 500 injured. That is why there is no loveparade anymore. The last event took place in Duisburg. This sad change can be found symbolically in my monument: from the ordered into the chaotic.

The material consists of the old steel beams from the freight yard that is supposed to be taken down for the master plan ''Duisburg's freedom''. The old freight yard characterizes the area and represents the ''arriving and departing'' of the last Loveparade. It carries the spirit of the location and the events and presents several first names cut out of the metal. These first names do not only represent the dead and the injured but also everyone who experienced this sad day in Duisburg or who is feeling affected.
41Bühnenb. Nathan  

Masterprojekt 2 Ergänzender Modul



Nathan der Weise

Der theatralische Raum ist ein performativer Raum, ein dienender Raum, der sich darstellt. Dieser Raum darf und soll erzählen, Gefühle auslösen, Sinnlichkeit provozieren. Er weist in seinem Wesen und seiner Ausstrahlung darauf hin, was von ihm erwartet wird und in welchem Nutzen er steht: Tanz, Schauspiel und Musik. Die performative Architektur als Schnittstelle zur Kunst bietet viele Ausdrucksmöglichkeiten.
Im Bühnenbild treffen sich viele künstlerische Disziplinen wie Musik, Literatur, Schauspiel und Tanz, Malerei und Architektur zu einem Gesamtkunstwerk. Nicht umsonst erwähnte ein bekannter Regisseur, dass das Bühnenbild jenes Bild sei, das der Besucher letztlich mit nach Hause nähme.

Die Geschichte des Theaterbaus beginnt beim griechischen Theater.
Das „shakespearesche Theater“ kam ohne Bühnenbild, nur mit Requisiten aus.
Vom „Guckkastentheater“ hin zum „Illusionstheater“, hin zur Stilbühne und ab dem 19. Jahrhundert auf die expressionistische Bühne. Das gegenwärtige Theater und die Erfindung des „leeren Raums“ hat größtenteils Anleihen und Einflüsse aus der bildenden Kunst, wie z.B. das minimalistische Theater.
In Kooperation mit dem Lehrgebiet „Raumgestaltung“, Prof. Uwe Schröder, entstand eine Zusammenarbeit, die zwei Komponenten der Gestaltung zusammenführte: zum einen der Hochbauentwurf „Vorhang auf: SchauSpielStadt Amsterdam“, bei dem die Studierenden im Zeitraum eines Jahres ein Theater entwerfen sollten. Und zum anderen bestand hier die Möglichkeit, durch die Interventionen künstlerischer Methoden und Prozesse, das so entstandene Theater und ihre Bühne, durch einen Bühnenbildentwurf zu ergänzen, bzw. zu erweitern. In dieser Kombination fanden die Grundlagen künstlerischer Gestaltung, in der Konkretion von Architektur und ihrer ephemeren Schwester, der vergänglichen Bühnenbildkunst, einen synergetischen Niederschlag.
Der Bühnenentwurf setzte im ersten Halbjahr eine Seminarreihe voraus, in der Themen der Bühnenbildgeschichte und deren berühmte Protagonisten behandelt wurden, um verschiedene Stil- und Formphänomene zu erkennen und zu absorbieren. In Form von Referaten über spezifische Haltungen bekannter Bühnenbildner sollte sich jeder Studierende individuell Inspiration und Kenntnis erarbeiten.
Weiterhin bestand diese ergänzende Veranstaltung aus einem gebundenen Stegreifentwurf (Drei Akte), der spielerisch auf den Bühnenentwurf zu Nathan der Weise vorbereitete. Weiterhin ein Methodenspiel, bei dem exemplarisch methodische Wege praktiziert (zeichnerisch, modellhaft, abstrahierend) und in Szene gesetzt wurden (s. morphologische Methoden der Begriffsgenerierung und Gestaltfindung).

Für die Kolloquien konnte ich den Ausstattungsleiter des Theater Aachens, Detlev Beaujean, sowie den Dramaturg und Regisseur Lukas Popovic gewinnen, die den Studierenden wertvolle Erkenntnisse, Erfahrungen und Inputs vermitteln konnten. Insbesondere die Besichtigung und die Führung mit Lukas Popovic durch das Theater Aachen mit seinen Einrichtungen vom Dach bis zum Keller, offenbarten die Komplexität eines Theaterhauses.
Auf Schloss Wahn, in der die theaterwissenschaftliche Sammlung der Universität Köln untergebracht ist, führte uns Dr. Gerald Köhler zu Originalentwürfen aus verschiedenen stilistischen Phasen und eröffnete damit bei den Studierenden ein immenses Inspirationsfeld.
Diese Kollaborationen stellten sich als ausgesprochen effektiv für die Entwurfsarbeit heraus, von deren Ergebnissen hier eine Auswahl sichtbar wird.

Titel: Nathan der Weise

Entwurf: Isabell Schütz
Betreuer Entwurf/Seminar: Michael Schulze

Fähigkeit: Kreativität, Intuition, konzeptuelles und räumliches Denken, Abstraktionsfähigkeit, Kombinationsgabe, Originalität,Poesie


Fertigkeit: Zeichnen, CAAD-Darstellung, Proportionierung, Komposition, Materialkenntnisse, Formfindung, Farbkenntnisse, handwerkliche und künstlerische Techniken, wissenschaftliches Arbeiten




Kategorie: Bühnenbild, performative Architektur
Curriculum: Ergänzendes Modul M2 Projekt
Zeitfenster: 2 x 3 Monate

Master Project 2 Additional module



Nathan der Weise (''Nathan the wise'')

The theatrical room is a perfomative room, a serving room that illustrates itself. This room may and should tell stories, evoke feelings, provoke sensuality. In its entity and its presence, the room points out what is expected of it and what its purpose is: dancing, acting and music.The performative architecture as a interface for arts offers many possibilities of expression.
In the stage design, many artistic disciplines like music, literature, acting and dancing, painting and architecture meet, resulting in a total artwort. Not for nothing, a known director mentioned that the stage design is the image that stays in the visitor's mind.
The history of theatre building has its roots in the Greek theatre. The ''Shakespearean theater'' did not have a stage design but only props. From the ''peep-box theatre'' to the ''theater of illusion'', up to the stylized theater and from the 19th century to the expressionistic stage. The contemporary theater and the invention of the ''empty room'' mainly got its influences from the visual arts, for example the minimalistic theatre.
In cooperation with the teaching area of the ''interior design'', Prof. Uwe Schröder, a collaboration has been established which joined two components of design: on the one hand the superstructure work's draft ''The curtain raises: Amsterdam, city of drama'' for which the students were supposed to design a theatre in the course of one year. On the other hand, the students were able to supplement their planned theatre and stage with the help of interventions in the form of artistic methods and processes. In this combination, the basics of artistic design found their expression in making architecture and its ephemeral sister – the art of stage design –synergycally concrete.
The stage design required a series of seminars in the first semester which addressed topics of the history of stage design and its famous protagonists to recognize and absorb different phenomenons of style and form. In the form of presentations about specific attitudes of famous stage designers, every student was individually supposed to work out inspiration and knowledge.
Furthermore, this additional course consisted of a bound impromptu draft (three acts) that playfully prepared the students for the stage design of Nathan the wise. It was a game of methods in which methodological ways have been exemplarily practized (graphically, exemplary, abstractingly) and staged (see morphological methods of generating terms and finding shapes).

For the colloquia, I was able to recruit the equipment head of Aachen's theatre, Detlev Beaujean, as well as the dramaturg and director Lukas Popovic. These two experts were able to impart valuable insights, experiences and inputs to the students. Especially visiting Aachen's theatre with its institutions from roof to the basement guided by Lukas Popovic revealed the complexity of the theatre.
At castle Wahn, which contains the university of Cologne's collection of theatre sciences, Dr. Gerald Köhler lead us to the original drafts from different stylistic periods and established an enormous field of inspiration for the students.
These collaborations were very effective for the work on the drafts which are partly visualized here.

Title: Nathan der Weise (''Nathan the wise'')
Draft: Isabell Schütz
Draft's supervisor: Michael Schulze
Seminar: Michael Schulze
Ability: Creativity, intuition, conceptual and spatial thinking, ability of abstractions, power of deduction, originality, poetry
Proficiency: Drawing, CAAD-illustration, proportioning, composition, knowledge of material and color, finding forms, technical and artistic techniques, academic work
Category: Stage design, perfomative architecture
Curriculum: Additional module for the M2 project
Time frame: 2 x 3 months
2Geometrische Körper u. Flächen  

Geometrische Körper und Flächen



Aus Metall gefertigt, sollten hier geometrische Figuren miteinander kombiniert werden. Das Grundelement der Plastik war ein Kegelstumpf. Dieser Körper wurde durchdrungen ergänzt, begleitet von anderen geometrisch bestimmbaren Volumen oder Flächen. Die zweifellos komplexe Problemstellung der Aufgabe forderte eine ernsthafte, kreative Auseinandersetzung. Die Wahl der Körper und Flächen, deren Proportionen sowie die Kombination der Elemente bestimmten die Originalität der gefundenen Lösungen. Die Vorgaben der Aufgabenstellung sollen an ein konzeptuelles Denken heranführen. Die Festlegung des Kegelstumpfes als Ausgangspunkt für die Plastik hatte allein pädagogische Gründe. Durch diese Einschränkung wurde dem Studierenden die Beliebigkeit des Anfangs genommen. Ausgehend von diesem Punkt wurde das Konzept weiterentwickelt. Durch Kohleskizzen und Papiermodelle wurden die Ideen sichtbar gemacht. Die aus Stahlblech bestehenden Elemente wurden durch Schneiden, Biegen, Kanten und Vernieten herstellt. Ein ganz wichtiger Aspekt der Betreuung war die Strukturierung der Arbeitsabläufe, damit die Plastik in einer sinnhaften Fertigungsreihenfolge entstehen konnte.


Titel: Geometrische Körper und Flächen
Betreuer: Michael Staack, Michael Schulze
Fähigkeiten: Kreativität, Intuition, Wahrnehmung, konzeptuelles und räumliches Denken, Kombinationsgabe
Fertigkeiten Zeichnen, Proportionierung, Komposition, Materialkenntnisse, Formfindung, handwerkliche und künstlerische Techniken
Kategorie: Plastik
Material: Stahlblech
Maße: ca. 25 - 40 cm
Curriculum: Grundlehre
Zeitfenster: 4 x 3 SWS

Geometrical bodies and surfaces


Created of metal, geometrical figures are supposed to be combined in this course. The basic element of the piece of statuary art was a truncated cone. This body has been filled in pervadedely, accompanied by other geometrically determinable volumes or surfaces. Undoubtedly, the complex problem of this task demanded a serious and creative involvement. The choice of the bodies and surfaces, their proportions as well as the combination of the elements determined the originality of the solutions the students found. The task is supposed to lead to conceptual thinking. The commitment to the truncated cone as a starting point for the object had only pedagogical reasons. By limiting it in this way, the student was freed from the arbitrariness of the beginning. Starting from this point, the concept has been processed further. With the help of coal sketches and paper models, the idee has been visualized. The elements consisting of steel sheet were created by cutting, bending, edging and clenching. A very important aspect of the supervision was structuring the working processes to enable that the piece of statuary art can be created in a meaningful production order.


Titel: Geometrische Körper und Flächen (''Geometrical bodies and surfaces'')
Supervisors: Michael Staack, Michael Schulze
Abilitiy: Creativity, intuition, perception, conceptual and spatial thinking, power of deduction
Proficiency: Drawing, proportioning, composition, knowledge of material, finding forms, technical and artistic techniques
Category: Plastic arts
Material: Steel sheets
Measures: ca. 25 - 40 cm
Curriculum: Basic studies
Time frame: 4 x 3 SWS
5Fingerab. Gipsabdrücke Technik
  
4Fingerabdruck einer Landschaft  

4bHebarium der Dinge  

4aHebarium der D.  

Topografischer Fingerabdruck einer Landschaft



In Zusammenarbeit mit Dr. Annette Lagler vom Ludwig Forum Aachen und vielen anderen entstand eine künstlerische Annäherung an den Stadtteil Soers in Aachen. Unter Prämissen der Vergangenheit und der gegenwärtigen Nutzung wurde dieser Stadtteil interpretiert und untersucht.
Da wir in der Gestaltungslehre bemüht sind, künstlerische Methoden als „Instrument“ oder „Handwerkszeug“ an die Studierenden weiterzugeben, damit sie diese im Prozess der Entwurfsarbeit einzusetzen lernen, kam uns diese kollektive Intervention gerade recht.
Architektur ist die Kunst der Bezüge: die faktische Orientierung und intentionale Einschätzung eines Ortes. Der Ort Soers definiert sich als ein komplexes System von konkret-gegenwärtig Vorhandenem sowie der Anwesenheit von Vergangenheit durch Geschichte. Diese strukturellen, sichtbaren und unsichtbaren Eigenschaften und Spuren sind in der Bewertung auch von Städten und Landschaften anwendbar. In der Bewusstmachung solcher Multifaktoren kommt man der Eigen- und Einzigartigkeit, also dem Wesen eines Ortes oder einer Landschaft näher und kann so auf diesen angemessen reagieren, handeln und gestalten.
In dieser Aufarbeitung standen die Begriffe Natur, Technik und Architektur im Vordergrund der Betrachtung in der Soerser Landschaft. An einem Freitag im Oktober 2007 zogen wir in die Soers: Zielorte waren die Tuchfabrik (Architektur und Technik) sowie der Müschpark und Wildbach (Natur).
Mit ca.170 Studierenden des Bachelorstudiengangs im ersten Semesters eine solche Übung gemeinsam zu gestalten, hatte natürlich seinen ganz besonderen Reiz. Entsprechend den obengenannten Leitthemen wurden die Gruppen aufgeteilt und jeder Studierende, der das Gelände beging, sollte nach selbstgewählten Kriterien eine Detailsituation aussuchen und diese mit den Werkzeugen und Materialien seiner „Aktionstasche“ bearbeiten.
Diese Intervention basierte auf drei Forderungen an jeden Teilnehmer:

• Auswahl und zeichnen der räumlichen Detailsituation (Din-A4-Bogen)
• Abdruck des Zielobjektes mit einer weichen Tonplatte als Negativform. Diese wurde später im Atelier mit Gips als authentisches Positiv abgegossen.
• Sammeln und Auswahl einer „Fundstück-Reliquie“ als dinghafte Verkörperung des Ortes und der Landschaft. Diese Fundstücke wurden in Harz konserviert und fanden letztlich komplett als „Buch-Reliquie“ eine Form.

In der Gesamtheit der Suche haben sich die Spuren des Ortes durch die Wahrnehmung und Intervention materialisiert: Blicke von ca. 340 Augen und das Handeln von ebenso vielen Händen gaben dies wieder.
In dieser kollektiven Aufgabe wurden Teamfähigkeit, spielerische, sensorische, intuitive und emotionale Instinkte und Fähigkeiten trainiert. Diese zielten auf eine Gestaltungshaltung, in der aus bewussten und intuitiven Elementen ein Bild, eine Form und vielleicht zukünftig ein komplexes Gebäude entstehen kann.

Titel: Topografischer Fingerabdruck einer Landschaft

Betreuer: Michael Schulze
Fähigkeiten: Kreativität, Intuition, Wahrnehmung, konzeptuelles Denken, Kombinationsgabe, Originalität, Poesie, Teamarbeit
Fertigkeiten Zeichnen, Materialkenntnisse, Formfindung, handwerkliche und künstlerische Techniken
Kategorie: Objekt, Plastik, Relief
Material: Ton, Polyesterharz, Gips
Aufgabentyp: Grundlehre
Zeitfenster: 6 x 3 SWS

A landscape's topographical fingerprint



In corporation with Dr. Annette Lagler (Ludwig Forum Aachen) and many others, an artistic approach to Aachen's district Soers took place. Under the premises of the past and the contemporary use, this district has been newly interpreted and investigated.
Since we want to pass on artistic methods as ''instruments'' or ''tools'' to make sure the students learn to apply them during processes of creation, this collective intervention came to the right point of time.
Architecture is the art of connection: the factual orientation and intentional evaluation of a place. The district Soers defines itself as a complex system of concrete-contemporary existing things as well as the presence of past through history. These structural, visible and invisible features and trace can also be applied to the evaluation of cities and landscapes. By bringing this multifunctionality to one's mind, one is able to get closer to the pecularity of a place or a landscape, resulting in being able to react, act and design it appropriately.
In this reprocessing, the terms nature, technology and architecture were in the focus of the observation of Soers' landscape. On a Friday in October 2007, we went to Soers: target destinations were the cloth mill (architecture and technology) as well as the Müschpark and beck (nature).
Planning such a exercise with ca. 170 students from the first semester of their bachelor studies was very exciting, of course. According to the mentioned guiding themes, the groups have been divided and every student that went through the terrain was supposed to choose a specific situation under self-determined criteria. Furthermore, the student should work on that situation with the help of the tools and materials of his ''action bag''.
This interventioned was based on three demands for every participant:

- Choosing and drawing the spatial detailed situation (DIN-A4 sheet)
- Creating an imprint of the target object with a soft clay sheet as a negative form. This form was later decanted as an authentic positive in the studio.
- Collecting and choosing a ''found relic'' as a material embodiment of the place and landscape. These relics have been preserved in resin, finally finding a form as a ''book-relic''.

During the whole process of searching, the place's traces have been materialized by the perception and intervention: the glimpses of around 340 eyes and the actions of just as much hands echoed this.
In this collective task, teamwork, playful, sensorial, intuitive and emtional instincs and abilities have been trained. These aimed towards a design attitude in which an image, a form and maybe even a complex building can be created supported by conscious and intuitive elements.

Title: Topografischer Fingerabdruck einer Landschaft (''A landscape's topographical fingerprint'')
Supervisor: Michael Schulze
Ability: Creativity, intuition, perception, conceptual thinking, power of deduction, originality, poetry, team work
Proficiency: Drawing, knowledge of material, finding forms, technical and artistic techniques
Category: Object, plastic art, relief
Material: Clay, polyester resin, gypsum
Curriculum: Basic studies
Time frame: 6 x 3 SWS
21Ikarus trifft Leonardo3
  
20Ikarus trifft Leonardo2
  
19Ikarus trifft Leonardo1  

Ikarus trifft Leonardo



Die Titelwahl des Kurses deutet schon an: Hier ging es um Mythos (Ikarus) und Erfindung (Leonardo). Der Mythos des Fliegens findet in Ikarus eine bezeichnende Metapher von Aufstieg und Scheitern.
Wir nahmen nur bescheiden den Anlass des Fliegenwollens, um uns in Prozesse einzulassen, die das Fliegen quasi unterstellen. Dann waren Reduktion, Fragilität und Leichtigkeit Attribute, die sich in Material und Form wiederfinden sollten.

In Annäherung an das Thema entstanden Skizzen und Zeichnungen sowie kleinere Arbeitsmodelle. Das „Zeichnen im Raum“ mit Stäbchen aus gespaltenem Bambus ermöglichte, leichte und fragil wirkende Konstruktionen zu erstellen. Ideal zur Herstellung von Flugobjekten.
Stäbchen aus gespaltenem Bambus bilden in ihrer Anwendung viele Ausdruckseigenschaften, die der grafischen gezeichneten Linie sehr ähnlich sind: Neben schraffurähnlichen Strukturen sind auch tangentiale Verdichtungen möglich. Weiterhin können die Stäbe auf Gegendruck, wie ein gespannter Bogen, verklebt und fixiert werden. Eine Besonderheit besteht im Verbiegen zum Kreis oder Bogen durch die Anwendung von Heißluft.

In der Kreuzung der Stablinien entstanden Knotenpunkte, die, mit Heißkleber verbunden, eine stabile Verbindung eingingen. Diese so entstandenen Stäbchenkonstruktionen erregten bei den Studierenden immer wieder Erstaunen und Aufmerksamkeit darüber, dass ihre Konstruktion und Leichtigkeit aufgrund der dichten Verstrebungen außerordentlich stabil und bruchsicher sind. So gesehen, beinhaltete diese Übung auch einen spielerischen Zugang zu konstruktiven Systemen und Prinzipien.
Durch die Bespannung mit einer dünnen Papiermembrane entstanden Flächen, die diesen Objekten plötzlich Flügel wachsen ließen. Außerdem führten Experimente mit Kunststoffen (Kunstharze, Polyurethan) zu Möglichkeiten und Kombinationen, die den Imaginationsgehalt dieser Aufgabe steigerten.
Erst in und durch diese Experimente und Materialproben entstand Formfindung, die in ein Gestaltungskonzept mündete. Im Erkennen und Transferieren dieser Erkenntnisse wurde die Tür zur Erfindung geöffnet. Materialreize wurden ausgespielt, mechanische Zusammenhänge erprobt, Bewegungsabläufe simuliert: ein Spiel der Kontingenz.

Die Aufgabe für diesen Kurs lag im Erfinden eines Flugobjektes, an dessen aerodynamischen Formen nur eine Flugabsicht ablesbar erscheinen sollte. Das Fliegen war also nur unterstellter Anlass, um sich auf die Formfindungssuche zu begeben.
Triviale, reale und fiktive Flugmaschinen sind uns meist bekannt. Diese sollten aber nicht im Fokus des Interesses stehen. Das naive, unvoreingenommene Spielerische über das Material sollte als Schlüssel den Raum der Erfindungen windschnittiger Stromlinienformen öffnen.

Innerhalb eines Forschungs- u. Entwicklungsprojekts mit der Stadt Baesweiler entstanden im WS 2000 unter dem Thema „Schweben-Fliegen“ eine Reihe von Objekten, die speziell für das Internationales Technologie- und Service-Center (ITS in Baesweiler) entwickelt wurden.
Ziel der Aufgabe war es, das Treppenhaus und den Konferenzbereich durch die Flugobjekte zu akzentuieren und die Leichtigkeit und Transparenz der Glaskuppel in poetischer Weise zu erweitern, sodass die Nutzer dieses Gebäudes über den üblichen Gebrauch von Architektur hinaus in einen imaginären Raum schauen sollten.
Für dieses Projekt wurden die Kiele und Verbindungselemente hauptsächlich in Polyurethan gegossen und mit unterschiedlichen Membranen aus Stoff und Papier ausgestattet.



Titel: Ikarus trifft Leonardo
Betreuer: Michael Schulze
Fähigkeiten: Kreativität. Intuition, konzeptuelles und räumliches Denken, Abstraktionsfähigkeit, Kombinationsgabe, Originalität, Poesie
Fertigkeiten Zeichnen, Proportionierung, Materialkenntnisse, Formfindung, handwerkliche und künstlerische Techniken
Material: gespaltener Bambus, Heißkleber, Zellpapier, Polyurethan,
diverse Kunststoffe
Maße: ca. 90 - 200 cm
Kategorie: Plastik/Objekt/Installation
Curriculum: Grundlehre/ Wahlfach
Zeitfenster: 14 x 3 SWS

Ikarus meets Leonardo



The choice of the title already hints at it: it is about the myth (Ikarus) and invention (Leonardo). The myth of flying finds an appropiate metaphor of rising and failing in Ikarus.
We took the ideea of wanting to fly only modestly to access processes that effectively implay flying. Reduction, fragility and ligtness were attributes that should be rediscovered in material and form.

In the approach to the topic, sketches and drafts were created as well as small work models. The ''drawing in space'' with rods made of split bamboo enabled the creation of light and seemingly fragile constructions, ideal for the creation of flying objects.
Rods of split bamboo represent many features of expression that are similar to the graphical and drawn line: apart from shading-like structures, tangential condensations are possible. Furthermore, these rods can be glued and fixated with counterpressure like a taut bow. A pecularity is the possibility of bending the material to a circle or a bow by applying hot air.

When the rods are crossed, nodes were created that formed a stable connection after glueing them with hot glue. These rod constructions consistently evoked amazement and awareness among the students, because they were able to see the construction's stability despite their lightness due to the strutting. Seen from this point, one can say that this course also included a playful approach to constructive systems and principles.
By covering the construction with thin paper membranes, surfaces were created that suddenly gave the objects wing-like structures. Furthermore, experiments with synthetic materials (synthetic resin and polyurethane) led to possibilities and combinations that raised the imaginative content of this task.
Only with these experiments and samples, the process of finding forms took place that flowed into a concept of design. The recognition and transfer of these insights enabled the students to begin with their invention. Material stimuli were played off, mechanical relations were tried out, motion sequences have been simulated: a play of contingency.

The task of this course was inventing a flying object whose intention to fly should only be readable at its aerodynamical forms. Thus, flying was only an alleged cause to proceed to the search for finding forms.
Trivial, real and fictional flying machines are often familiar to us. However, these should not be in the focus in this task. The naive, unbiased playfulness with the material should be the key to the space of inventing streamlined forms.

Within a research and development project of the city of Baesweiler, a series of objects that have specially developed for the international center of technology and service (ITS) were created in the WS 2000 concerning the topic of ''floating-flying''.
The task's objective was to accentuate the staircase and the conference area with flying objects and to expand the lightness and transparency of the glass dome in a poetic way, enabling the building's users to see beyond the usual use of architecture into an imaginary space.
For this project, the keels and connecting elements were mainly poured in polyutherane and covered by miscellaneous membranes made of fabric and paper.

Title: Ikarus trifft Leonardo (''Ikarus meets Leonardo'')
Supervisor: Michael Schulze
Ability: Creativity, intuition, conceptual and spatial thinking, ability of abstraction, power of deduction, originality, poetry
Proficiency: Drawing, proportioning, knowledge of material, finding forms, technical and artistic techniques
Material: Split bamboo, hot glue, tissue, polyurethane, misc. plastics
Measures: ca. 90 - 200 cm
Category: Plastic arts/objects/installation
Curriculum: Basic studies / election course
Time frame: 14 x 3 SWS
29Performance  

Performative Inszenierung



Im Sinne der Bildenden Kunst ist eine Performance kein Drama oder eine Choreografie wie bei einer Theatervorstellung, vielmehr ist sie ein offener künstlerischer Prozess in eigener Zeit, der als unmittelbare körperliche Handlung und Präsenz abläuft und dessen Medium der Performancekünstler selbst ist.

Dieser Anspruch in Fülle wurde so nicht verfolgt, als wir eine Grundübung für eine performative Inszenierung entwickelten, die anlässlich der Diplomabschlussfeier 2007 aufgeführt wurde. Beteiligt war der erste Jahrgang der Bachelorstudierenden, die bei diesem Anlass begrüßt und die Diplomanden gleichzeitig verabschiedet wurden. Spektakel, Aktionismus und Spiel waren die treibenden Motive dieser performativen Inszenierung.

In der thematischen Festlegung auf „Natur und Technik“ sahen wir viel Potenzial szenischer Darstellbarkeit, die besonders durch das Gegensatzpaar viele Bildmotive und Ausdrucksweisen erwarten ließ. Nachdem sich ca. 20 Studierende jeweils auf ein Leitmotiv festgelegt hatten, begann die Arbeit an den Entwürfen der Kostüme. Es entstanden Zeichnungen, Modelle und Arbeitsproben. Zur Umsetzung wurden Materialien wie Fundstücke, Stoffe und Geräteteile etc. auf ihre Einbautauglichkeit überprüft. Es wurde geschweißt, genäht, geklebt, geschäumt und geraspelt, um die Maske und Verkleidung dem jeweiligen Leitthema anzupassen.
Hinter Masken wird man nicht erkannt, man wird jemand anderes. Dieser Wechsel der Identität macht das Spiel und den Reiz eines Kostümtheaters aus. Spaß, Begeisterung, körperliche Aktion und Teamgeist waren treibende Indikatoren einer spielerischen Choreografie, die dem Studierenden eine Bündelung von Konzept- und Werkprozessen lieferte und dem Besucher eine sinnliche Inszenierung.

Titel: Performative Inszenierung

Betreuer: Michael Schulze
Fähigkeiten: Kreativität, Intuition, konzeptuelles Denken, Kombinationsgabe, Originalität, Poesie, Teamarbeit
Fertigkeiten Zeichnen, Komposition, Materialkenntnisse, Formfindung, Farbkenntnisse, handwerkliche und künstlerische Techniken, performatives Spiel

Material: diverse Materialien
Kategorie: Performance, Szenografie, Objekt
Curriculum: Grundlehre
Zeitfenster: 6 x 3 SWS

Performative production



In the sense of visual arts, performance is not a drama or a choreography like in a theatre enactement, rather it is an open artistic process in an individual time which proceeds as an immediate bodily act and presence and whose medium is the performance artist himself.

This demand has not fully been pursued when we developed a basic course for a perfomative production that should be performed in celebration of the graduation party 2007. The first bachelor's year was involved. The bachelor students have been welcomed and the degree candidates have been dismissed at this occasion. Spectacle and game were the impelling motifs of this performative production.

By choosing ''nature and technology'' as the topic of the production, we saw a lot of potential for scenic presentability, especially because of the contrastive pair which could evoke several image motifs and ways of expressing. After ca. 20 students decided on a leitmotif each time, the work on the drafts for the costumes began.
Drawings, models and work samples have been created. For the realization, materials like finds, fabrics and parts of machines etc. have been examined for their suitability for the final products. The students welded, sewed, glued, foamed and rasped in order to adjust the mask and costume to the respective leading theme.
Behind a mask, one is not recognized as oneself. This change of identity is what makes a costume theatre so interesting and appealing. Fun, excitement, physical action and team spirit were driving factors of a playful choreography which offered a concentration of conceptual and working processes to the students and a sensible enactement for the visitors.

Title: Performative Inszenierung (''Performative production'')
Supervisor: Michael Schulze
Ability: Creativity, intuition, conceptual thinking, power of deduction, orginality, poetry, teamwork
Proficiency: Drawing, composition, knowledge of material and colors, finding forms, technical and artistic techniques, performative game
Material: Misc. materials
Category: Performance, scenography, object
Curriculum: Basic studies
Time frame: 6 x 3 SWS
1Extremräume  Workshop

Extrem-Räume



In zwei Durchgängen mit je ca. 80 Personen über je zwei Tage fanden sich die Teilnehmer in Zehnergruppen zusammen, um im Team die Aufgabenstellung zu bearbeiten. Nach individuellen Entwürfen jedes einzelnen Teilnehmers wurde in der Gruppe gemeinsam mit den Betreuern ein Entwurf ausgewählt, der später vom ganzen Team gemeinsam weiter entwickelt und umgesetzt wurde. Dabei wurde das beste gemeinsame Ergebnis angestrebt. Das Team bedeutete mehr als die Summe seiner Teile.
Jede Arbeitsgruppe erhielt ein unterschiedliches Begriffspaar. Die Studierenden entschieden im Team, mit welchem Begriffspaar sie arbeiten mochten. Die Begriffspaare hatten Titel wie: Kern -Hülle, verschlossen -offen, weit -eng, stabil -labil, verspielt -konkret usw.
So sollten lebensgroße Kartonplastiken entstehen, die mal Raum, mal Objektcharakter haben konnten. Raumwirkung und Form sollten die gegensätzlichen Begriffe widerspiegeln, es entstanden ambivalente Rauminstallationen, die begehbar waren und im Bezug zum eigenen Körper 1:1 erlebt wurden.
Eine Gruppenarbeit, bei der gleichzeitig 80 Teilnehmer in 10 Gruppen kooperieren, mutet von außen betrachtet oftmals sehr chaotisch an. Bei näherer Betrachtung funktioniert sie jedoch in der Regel ausgesprochen gut. In jedem Team kristallisieren sich schnell Leitfiguren und Mitläufer heraus, die ohne einander nicht gleich gut funktionieren könnten. Über kreative Entscheidungen und handwerkliche oder strategische Vorgehensweisen wird in der Regel ein Gruppenkonsens angestrebt, der auch meistens zustande kommt. Im Zweifelsfall wird mehrheitlich abgestimmt, wobei die überstimmten Teilnehmer die Mehrheitsentscheidung akzeptieren und in der nächsten Arbeitsphase voll integriert mitarbeiten. Auch wird oftmals Arbeitsteilung vereinbart. Die Teams bilden Untergruppen zum Schneiden, Kleben, Konstruieren etc. Entsprechend effektiv wird gearbeitet und es entstehen in erstaunlich kurzer Zeit begehbare Räume mit spezifischen Gefühlsgehalten.

Jedes Team erhielt eine Unterlage aus Hartfaser zum Schneiden der Pappen. Die stabilen Wellpappen mit doppelten Lagen stellte ein Kartonwerk kostenlos zur Verfügung. Zur Montage und Verbindung wurde Klebeband verwendet.
In der Halle entstand am zweiten Tag eine Ausstellung der einzelnen Extremräume, die zum Teil sogar den Charakter einer Rauminstallation annahmen. Nun wurden die Raumexperimente mit allen Teilnehmern und Betreuern gemeinsam ebenso neugierig wie kritisch untersucht und diskutiert.

Bildbegleit-Ikon:

Titel: Extrem-Räume

Betreuer: alle Mitarbeiter
Fähigkeiten: Kreativität, Intuition, Wahrnehmung, konzeptuelles und räumliches Denken, Kombinationsgabe, Originalität, Teamarbeit
Fertigkeiten Zeichnen, Proportionierung, Komposition, Materialkenntnisse, Formfindung, handwerkliche und künstlerische Techniken, performative Aspekte
Material: Pappe, Tape
Kategorie: Objekt, Installation, Performative Intervention
Curriculum: Grundlehre
Zeitfenster: 2 Tage
Workshop

Extreme spaces



In two rounds, both lasting two days, with ca. 80 people each, the participants formed groups of ten to work on the task as a teamwork. After the creation of individual drafts, the group and a supervisor decided on a certain draft that the group will develop further and realize. Here, the best mutual result was the aim. The team is more than the sum of its parts.
Every work group received a different conceptual pair. The students decided on what conceptual pair they want to work with in the team. The conceptual pairs were: core – shell, closed – open, broad – narrow, stable – unstable, playful – concrete etc.
Life-sized pieces of plastic arts made of carboard should be created which features could be belong to the aspect of an object as well as a space. The spatial impact and form should reflect the opposing terms. Ambivalent spatial installations have been created that were accessible, making it able to experience it in relation to one's own body.
A group work in which 80 participants in ten groups work at the same time might seem very chaotic seen from the outside. If you look closer, however, it works very efficiently. In every team, both leading figures and followers cristallized out fast who could not work as efficient without the other. Through creative decisions and technical or strategic approaches, the students usually aimed at a group consensus that is often reached. In case of doubt, there is a vote. After this vote, the outvoted participants accept the decision by the majority, still working fully integrated in the next phase of work. Also, labor divison has often been agreed on. The teams formed subgroups for cutting, glueing, constructing, etc. That is why the group is able to work relatively effective, creating accessible rooms with specific contents of feelings in a surprising short time.

Every team received a pad made of hard fibre to cut the cardboard. The solid corrugated cardboards with double layers were provided by a cartonboard mill for free. For the assembly and connections, tape has been used.
On the second day in the hall, an exhibition of the individual extreme spaces took place that partly adopted the character of a room installation. Now, the room experiments have been criticially investigated and discussed with all participants and supervisors.


Title: Extrem-Räume
Supervisor: all staff members
Ability: Creativity, intuition, perception, conceptual and spatial thinking, power of deduction, originality, teamwork
Proficiency: Drawing, proportioning, composition, knowledge of material, finding forms, technical and artistic techniques, perfomative features
Material: Cardboard, tape
Category: Objects, installation, performative intervention
Curriculum: Basic studies
Time frame: 2 days
15Organische Form in Holz  

Organische Form in Holz



Die organische Form aus massivem Holz herausgearbeitet, wirkt immer wie die Momentaufnahme eines sich ständig verändernden Körpers; sie wechselt von konvexen zu konkaven Formverläufen, sie stülpt sich aus, schnürt sich ab, windet sich durch den Raum, als sei sie einer ihr innewohnenden, permanenten Dynamik unterworfen. Eine Morphologie, wie die Natur, wie das Leben es vor macht.
Die organische Form ist uns ähnlich, sie ist uns vertraut. Dennoch ist es anspruchsvoll, solch eine Form zu erarbeiten, denn sie kann unterschiedlichen morphologischen Prinzipien folgen und beansprucht – jede Form für sich selbst – eine eigene Logik, die es einzuhalten gilt. Sie kann einerseits nach dem „Sandsack-Prinzip“ funktionieren; wird an einer Stelle eingedrückt, so muss die verschobene Masse an anderer Stelle wieder hervortreten, wobei ein Wechselspiel von Konvexen und Konkaven entsteht. Andererseits kann eine organische Form wachsen und wuchern, sie kann, als hätte sie eine unendlich dehnbare Außenhaut, neue Volumina quasi aus dem Nichts erschaffen und in den Raum hinein ausdehnen.

Das Material Lindenholz (oder Eichenholz) wirkt bei der Formgebung mit, die Maserung des Holzes bietet Potenzial für Auseinandersetzung und Inspiration, denn je nach Anschnitt und Tiefe der Höhlungen drängt sie sich mehr oder weniger in den Vordergrund und gestaltet den Körper mit. Das Kernholz wird sehr wahrscheinlich auch Risse bekommen, diese muss man in die Gestaltung mit einbeziehen.

Der Kurs begann mit dem Modellieren in Ton, das freie Formen von Tonklumpen in den Händen erzeugte wie von selbst organische Körper, man konnte schnell eine ganze Reihe von Modellen erarbeiten und diese später nach ihren Vorzügen auswerten. Dann wurde ein Rohblock aus Holz zugeschnitten, meist musste danach das Modell noch einmal angepasst werden. Mit Holzbildhauereisen und Knüpfel wurde zunächst die grobe Form herausgearbeitet. Wichtig war, von vornherein die gesamte Form rundherum zu bearbeiten, damit sich die Skulptur nach und nach von außen nach innen entwickeln konnte. Von den konvexen Außenformen arbeitete man sich langsam zu den Konkaven vor, arbeitete sich tiefer in das Material hinein und versuchte, den Formverlauf schlüssig auszuführen. Danach konnte man raspeln und schleifen, Letzteres natürlich auch mit Maschineneinsatz.


Titel: Organische Form in Holz

Betreuer: Benedikt Birkenbach
Fähigkeiten: Kreativität, Intuition, räumliches Denken, Abstraktionsfähigkeit, Originalität
Fertigkeiten Proportionierung, Materialkenntnisse, Formfindung, handwerkliche und künstlerische Techniken
Material: Lindenholz /Rundholz
Maße: ca. 30 - 40 cm

Kategorie: Skulptur
Curriculum: Grundlehre
Zeitfenster: 6 x 3 SWS

Organic forms in wood




Having the organic form created out of massive wood, it always appears like the snapshot of a constantly changing body; it changes from convex to concave flows of the form, it everts, pinch itself off, twists through the room as if it is subject to internal and permanent dynamics. A morphology that is inspired by nature and by life. The organic form is similar to us, it is familiar to us. Yet, establishing such a form is challenging since it can follow different morphological principles, thus demanding an own logic that needs to kept up for every individual form. On the one hand, it can behave after the ''sandbag-principle'': if you dent the object on one spot, the shifted mass will bulge out at a different spot, resulting in an interplay of convexes and concaves. On the other hand, an organic form can grow and sprawl. It can create new volume out of thin air and expand into the room like it has an endlessly elastic external skin.
The material lime (or oak) influences the shaping, the wood's texture provides potential for involvement and inspiration. That is because it pushes itself to the fore and actively takes part in the design of the body, depending on the cut end and the depth of the hollows. The core wood will probably form cracks which the student also needs to consider for his design.

The course began with the modeling in clay, freely forming clumps of clay with the hands created organic bodies by itself. Thus, the student could work out fast several models and evaluating them according to their advantages. Then, a raw block of wood has been cut out. Often, the model had to be adjusted. With the help of wood-carver irons and mallets, the rough form has been worked out. It was important to deal with the whole form all around in order to have the sculpture developing step by step from the outside to the inside. Starting with the convex external forms, one slowly worked one's way forward to the concaves, digging deeper into the material and trying to execute the form flow coherently. After that, the student could rasp and sand, the latter with the help of machines.

Title: Organische Form in Holz (''Organic forms in wood'')
Supervisor: Benedikt Birkenbach
Ability: Creativity, intuition, spatial thinking, ability of abstraction, originality
Proficiency: Proportioning, knowledge of material, finding forms, technical and artistic techniques
Material: Lime wood/roundwood
Measures: ca. 30 - 40 cm
Category: Sculpture
Curriculum: Basic studies
Time frame: 6 x 3 SWS
14Kupferbauten  Grundlehre

Kupferbauten



Im Aufgabenfeld des Architekten kann die Auseinandersetzung mit dem Begriff der Plastik ganz unterschiedliche Intentionen und Orientierungen haben. Ein naheliegender Aspekt ist z.B. der städtebauliche Bezug: Die Gestaltung des urbanen Umfelds durch Plastiken und Skulpturen war zu jeder Zeit kultureller Bestandteil menschlicher Kommunikation.
In der Übung „Kupferbauten“ sollten die Studierenden eine Metallplastik für einen neu anzulegenden Park in Alsdorf entwickeln. Es sollte ein zunächst maßstabloses Modell entworfen werden, das bei einer Realisation in seiner Dimension überlebensgroß sein würde. In der Aufgabenstellung wurde die zu entwerfende Plastik mit den Begriffen „Landmarke“, „Lieblingsort“ und „Treffpunkt“ beschrieben. Mit diesen Begriffen als Ausgangspunkt sollte der Studierende die Volumenplastik planen. Der Werkstoff Kupfer wurde stellvertretend für alle Eisen- und Nichteisenmetalle gewählt, die für eine solche Aufgabe infrage kommen. Die vergleichsweise einfache handwerkliche Verarbeitung von Kupferblech ermöglichte einen Einstieg in das additive Gestalten mit Metallen. Die Teilnehmer erfuhren, wie das Material nicht aufgrund seiner Textur, sondern wegen seiner ganz eigenen Bearbeitungsmöglichkeit den Entwurf mit beeinflusst. Das Entwerfen, Experimentieren und das anschließende Umsetzen des Geplanten mit der daraus resultierenden Materialerfahrung waren wichtige pädagogische Aspekte dieser Übung.

Titel: Kupferbauten

Betreuer: Michael Staack, Michael Schulze
Fähigkeit: Kreativität, Intuition, konzeptuelles und räumliches Denken, Kombinationsgabe

Fertigkeit: Zeichnen, Proportionierung, Komposition, Materialkenntnisse, Formfindung, handwerkliche und künstlerische Techniken

Material: Kupferblech
Maße: ca. 20 - 35 cm


Kategorie: Plastik für den öffentlichen Raum
Curriculum: Grundübung
Zeitfenster: 6 x 3 SWS
Basic studies

Copper structures



In the task field of an architect, dealing with the term of statuary arts can have very different intentions and orientations. An obvious aspect of this is the reference to town planning: The design of the urban environment with the help of statuary art and sculptures has always been a cultural part of human communication.
In the course ''Copper structures'', students were supposed to develop a piece of metal statuary art for a planned park in Alsdorf. First, a scaleless model should be developed which would be larger than life-sized in its realization. In the task, the piece of statuary art that is supposed to be designed has been described with the terms ''landmark'', ''favorite place'' and ''meeting area''. Starting with these terms, the student should plan the voluminous sculpture. The material copper has been chosen as a representative for all ferric and non-ferric metals that could come into question for this task. The comparably simple technical processing of copper sheet allowed an access to the additive design with metal. The participants experienced how the material influences the draft, not because of its texture but its very unique possibilites to process it. The drafting, experimenting and the final realization of the planned including the experience with the material represented important pedagogical aspects of this course.

Title: Kupferbauten (''Copper structures'')
Supervisor: Michael Staack, Michael Schulze
Ability: Creativity, intuition, conceptual and spatial thinking, power of deduction
Proficiency: Drawing, proportioning, composition, knowledge of material, finding forms, technical and artistic techniques
Material: Copper sheet
Measures: ca. 20 - 35 cm
Category: Statuary art for the public space
Curriculum: Basic studies
Time frame: 6 x 3 SWS
35Übers feuer
  
36Übers feuer2  

Exkursionen:



Die vier Elemente



Die Grundelemente Feuer, Wasser, Luft und Erde bestimmen nach der Vier-Elemente-Lehre alles Sein. Fernab dieses Interpretationsmodells stand für uns eine gestaltbildende Intention im Fokus: Möglichkeiten kollektiver und individueller Interpretationen der vier Elemente. Als Umkehrung der alchemistischen Suche nach Gold sollte hier die Suche nach Gestalt und Form über die Merkmale der vier Elemente einen eigenen Ausdruck finden.

Feuerinszenierung



Zur Werkexkursion der Pfingstwoche 1999, mit Selbstverpflegung und Zelt, stand einer Gruppe von zehn Studierenden mein Haus, der Garten zum Zelten und eine große Wiese in der Eifel sowie eine große Halde Altholz aus Latten, Bretter und Balken zum Verarbeiten zur Verfügung. Seitdem finden diese Kurse jedes Jahr im „Eifel-Camp“ statt.

Das Konzept sah vor, dass eine spezielle Feuer-Dramaturgie entwickelt werden sollte. Diese beinhaltete, dass zuvor Holzplastiken und Objekte entworfen und gebaut werden sollten, die dann als Feuerträger fungieren sollten. Eine weitere Eigenschaft dieser Objekte sollte darin bestehen, dass sie sich gegenseitig kontrolliert anstecken und entzünden sollten, nachdem sie in Brand gesetzt wurden. Um diesem Anspruch gerecht zu werden, wurden verschiedene Großformen aus Holz, Stroh und Ästen entwickelt, die über zündelnde Zwischenwippen in Brand geraten sollten.
Kleinere Gruppen bildeten sich, um die Objekte zu bauen und zu präparieren. Eine Studierende ist mir in besonderer Erinnerung geblieben, weil sie ein Bretter-Haus plante und baute, dass nach optimalen Situierungsgrundsätzen der Architektur ausgerichtet war. Einige Nächte übernachtete sie sogar darin. Am Abend zur Eröffnung des Feuerspektakels waren viele Gäste und Nachbarn anwesend; und als sie, wie abgemacht, mit Bogen und Brandpfeil ihr „Haus“ in Brand stecken sollte, bekam sie Skrupel und brach in Tränen aus: Sie wollte „ihr“ Haus nicht zerstören! Hier war die Identifikation über eine Woche so gewachsen, dass das ursprüngliche Konzept vergessen und unwichtig wurde.

Der Präsentationsabend war da. Feuerwehr und Nachbarn waren informiert und eingeladen, Gäste kamen an. Pyromanisch begannen die Flammen das erste Objekt zu „fressen“. Feuer hat eine magische Ausstrahlung! Der Spannungsbogen unserer Dramaturgie hielt an bis zur Morgendämmerung.
Pyromanie ist ein klar umrissenes Krankheitsbild in der Psychologie. Aus dem international gültigen Diagnosekatalog der Psychiatrie finden sich eindeutige Kriterien dafür:
1. Die bewusste und vorsätzliche Brandstiftung in mehreren Fällen.
2. Große Anspannung und Erregung vor der Tat.
3. Großes Interesse an Feuer und allem, was damit zu tun hat.
4. Freude oder Erleichterung während der Brandstiftung.
5. Die Brandstiftungen wurden nicht aus finanziellen Gründen, Rachegelüsten etc. unternommen.
Ich muss gestehen, dass alle diese Kriterien bei allen Teilnehmern dieses Kurses in vollem Umfang zutrafen.

Excursions:




Die vier Elemente (''The four elements'')



The basic elements of fire, water, air and earth determine the being, claimed by the theory of the four elements. Apart from this model of interpretation, a shape-forming intention was the focus for us: Possibilities of collective and individual interpretaion of the four elements. As an inversion of the alchemistic search for gold, the search for shape and form should find its expression with the help of the features of the four elements here.

Feuerinszenierung (''Fire enactment'')



For the excursion in the week of Whitsun in 1999, with self-catering and tents, my house, the garden for camping and a large meadow in the Eifel as well as a large dump of wood waste, slats, planks and beams to use were available for a group of ten students. Since then the courses take place in the ''Eifel-Camp'' each year.

The concept was to develop a special fire enactment. This included that wooden sculptures and objects needed to be designed and built first, serving as carriers for the fire. An additional feature of these objects is supposed to be that they should torch mutually in a controlled way after they have been set on fire. To fulfill this demand, several large forms have been developed using wood, straw and branches that are supposed to be set on fire with the help of inter-bridges.
Smaller groups have been formed to build the objects and preparing them. One special student sticked in my memory especially, because she planned and built a plank-house that was oriented towards basic concepts of architecture. She even slept several nights in her self-built house. On the evening of the opening of the fire spectacle, there were many guests and neighbors present; when she was supposed to ignite her house with bow and flaming arrow, she refused to do that, breaking out into tears: she did not want to destroy ''her'' house! In this case, the identification grew in such a way during the week that the original concept has been forgotten and became unimportant.

It was the day of presentation. The fire department and neighbors have been informed and invited, the first guests arrived. Pyromaniacally, the flames started to ''devour'' the first object. Fire has a magical aura! Our dramaturgy's arc of suspense continued until dawn.
Pyromania is a clearly outlined disorder in psychology. Taken from the internationally valid catalogue for diagnosis of psychiatries, one can find definite criteria for this disorder:
1. The conscious and deliberate incendiary in various cases.
2. Large tension and excitement before the act.
3. Strong interest in fire and everything that has to with it.
3. Joy or relief during the incendiary.
4. The incendiaries have not been conducted because of financial reasons, craving for revenge etc.
I have to confess that all these criteria could be applied to this course's participants to full extent.

Zurück zu „Lehre“